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KERA

Interview with Berlin based artist KERA:

What drives me are the projects outside. Creating something with my hands and being physically active. The exchange and influences of different cities, countries and also cultures. Getting to know different people and their way of life. All these energies and color worlds I let flow into my work.

Looking at your work, the style and visual language imply your artistic background: for over 20 years you have been working with colors, printing techniques, and façade painting, and your work combines abstract structures and graphic forms in balanced compositions that are a reflection of your graphic design studies, but nevertheless remind us of graffiti and stencil because of their often horizontal, dynamic forms. How did you get into (urban) art? Was it the path from graffiti to graphic design, or the decision to express graphics not only in design, but also in public spaces?

My roots clearly come from graffiti. In 1999 I started to work with colors, spray cans, and letters. For the first ten years I did nothing but spray letters.

My interest in and passion for abstract graphic forms came later through intensive contact with screen printing and printing techniques in general, with which I was engaged for years. Also, my training as a graphic designer was a great artistic development impulse for me.

Developing shapes and lines with the computer and then transferring them to the wall by hand still excites me. I learned that I can quickly change and shape my sketches on the computer, but that “standing at the wall” and creating something with my hands is the most important and exciting part for me. 

What fascinates you about abstraction? Where does your great passion for geometric lines and spatial and graphic structures come from?

I have been unconsciously occupied with structures and haptics for more than 20 years. I have worked on so many different surfaces that have contributed to my passion. Also, not just seeing a piece of art, but feeling it, opened up a new level for me. I think many know the feeling in a museum of wanting to touch the painting so badly; you want to feel it.

With figurative painting, I quickly realized that it doesn’t excite me to draw something very precisely. A vase always remains a vase. Only when I started to draw the vase blindly did it become exciting for me. The new elements and shapes that came out I found fascinating. How free it suddenly became.

My sense of order and my background as a graphic designer did the rest. After I got bored with letters, since there was no further development, I realized it was time for something new. But what? So I started to deal with the pure line and surfaces. So I came piece by piece to where I am now stylistically. 

What stories do your works tell?

My works are purely abstract. The forms are freely invented and do not lean on the representational. It is a game with directions, energies, feelings, and harmony. Also the mathematical elements, like repetitions and using the same and broken forms, determine the visual language. Repetition is a theme that has occupied me very much in recent times. Repetition gives security and suggests routine but can also be stagnant by always remaining on the same spot. This contrast attracts me and keeps me busy. In my work, there are certain forms that are repeated, but because they are freely drawn by hand, they are always different. It’s often not about the individual form, which can stand on its own, but about the whole composition. It’s a bit like a composer who writes a piece by placing the individual notes precisely and deliberately together to form a melody. Precise planning with a touch of coincidence is a good recipe for my work.

The exciting thing for me is also that each viewer associates it with something different and thus deals with the work independently. Everyone recognizes their own figurative or abstract content in it. That’s great and gives free rein to the creativity of the viewer.

You use different tools to achieve an abstract graphic result and combine digital with haptic: working on the computer with working on the wall. What is your approach and working process? Does planning or spontaneity predominate? 

There is rather less spontaneity in the wall designs. Since the projects are also getting bigger, I have to be well prepared in advance. I usually look at the surroundings and the location beforehand.

I try to get a feeling about whether the area to be played on is rather “loud” or instead needs a “quiet” approach. I look for colors that appear consciously and unconsciously in the environment and try to incorporate them harmoniously. I also use striking shapes from architecture in my graphics, even though I never copy them one-to-one, but include them in a modified way. I plan and create the work beforehand on the computer, which is also the creative part of the process. I develop shapes and graphics until I am satisfied with the result. Usually the process of designing goes on for several days until there is a feeling that tells me that it is ready. The implementation is then the part I enjoy the most, even though the creative process is almost complete. Of course, there are colors and shapes that change directly on the wall because they fit in better for me. So it doesn’t have to be implemented exactly like in the design. 

Your outdoor works blend fluidly into their environment in form and design, because you take into account and pick up on the color world of the surroundings and architecture. Your reduced color palette has become your distinguishing feature. How do you approach the color composition? Are the color tones also meticulously planned digitally in advance? 

Over the years, I have quite unconsciously built up this color palette, behind which I still stand. In the wall works, I often try to let the colors from the environment flow in, so that my work fits harmoniously with the architecture. Sometimes I try to do the opposite and use complementary colors on purpose to make the wall seem louder and more exciting. But I do that rather rarely.

The decision to reduce the number of colors also came from letterpress and flat printing, where you need a screen or board for a color, and it is more complicated to handle the more colors that are used. So I try to express everything I feel with few colors.

The color tones are selected and planned in advance with the help of color guides. I have no fixed shades that I always use, and yet I am always surprised how similar the colors are in different projects. That is probably the unconscious instinct in the color selection. But, if the colors on the wall do not work as intended, I even mix the hue sometimes. 

Besides the influences from graphics and print, what are your sources of inspiration; what drives you? Are there other (urban) artists that inspire you? 

What drives me are the projects outside. Creating something with my hands and being physically active. The exchange and influences of different cities, countries and also cultures. Getting to know different people and their way of life. All these energies and color worlds I let flow into my work. Artists who inspire me are, among others, Carmen Herrera, Katharina Grosse, Frank Stella, and many more who go beyond the medium of painting.

Are there any differences (in terms of content, design, method) between the works on paper, wood, or canvas that you create in the studio and your works in public space?

My works on wood or canvas are, so to speak, the compressed works of those in public space. I approach the canvas the same way I do the façade. In terms of content, they have the same structure.

Lately I have painted more on wooden panels, which on the one hand are heavier in weight but also more robust. I can cut the tape directly on the wooden panel and the elevations of the color edges come out better on the wood than on the canvas. This also creates a haptic sense that you can even see. In the studio works I try to go more into the object-like. That means I experiment a lot with different materials to create the work as a dynamic, three-dimensional hanging object. For example, I have painted some works on hand-bent acrylic. From the front it looks flat but on closer inspection you notice that the sheet is distorted and bent. This creates a whole new play of light and shadow on the work, which opens up a new level. That’s also an influence from architecture.

In a second variation, I work a lot with monotypes, which means I work with prints. I can determine the exact form in advance, but I don’t know exactly what the print will look like beforehand. I play, so to speak, with the planned and the coincidence whereby each impression looks different. These are, for me, then, rather more spontaneous works, where I cannot determine everything in advance. In these works it is also more about the structures and the printing technique than about the clean, composed form.

You’ve already designed well over 100 walls worldwide, whether as part of festivals, privately initiated, or commissioned work, and you say yourself “the area to be produced can’t be big enough.” Is it the increased level of difficulty that appeals to you, or does artistic freedom and the fun factor increase with size?

The phrase “the area to be produced can’t be big enough” is meant with a twinkle in the eye but also has a lot of truth to it. Of course, the larger the area to be covered, the larger the project and the more there is to organize. I love to think about and plan every detail as already described. I have artistic freedom with almost every project. Of course, I sometimes adapt to specifications with the color world, but how the shapes and graphics are placed together is always free and non-negotiable. I usually have very precise ideas.

The fun factor increases with the “difficulty” of the surface to be played, you could say, because then I start to merge the graphics with the architecture on one level. It goes far beyond just painting, which is also what makes the projects so exciting for me.

Also, each project is different. Of course, I can build on experience, but I am always faced with new tasks, which excites me very much. This not only challenges me as a painter but also gives me new energy and experience that I can incorporate into the next project. 

What’s coming up for you? Any plans, projects, or dreams for this year (or as soon as coronavirus allows)?

Due to the coronavirus situation, it has of course become more difficult to plan projects, because the situation is always changing and projects and exhibitions are always being postponed. That’s why I was also very happy about the invitation to the STADT.WAND.KUNST festival in Mannheim, which I’ve been following for quite some time and which I was able to attend in April. Next, I will go to Georgia for a floor painting of a basketball court, which I am already very excited about.

For my further development I would like to connect more with architecture and to paint on different or new surfaces. That is, to design walls that go beyond mural painting, for example, and go over several levels or materials. I would like to play on new unconventional surfaces such as floors, ceilings, stairs, or stucco with the painting and perhaps even to incorporate sculptural forms. 

KERA I Christian Hinz

Berlin, Germany

Website kera1.de

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Facebook kera1.kera1

Vimeo kera.1

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Pictures © KERA

 

May 2021

by Laura Vetter

Interview mit dem Berliner Künstler KERA:

Was mich antreibt, sind die Projekte draußen. Mit den Händen was zu erschaffen und körperlich aktiv zu sein. Der Austausch und die Einflüsse verschiedener Städte, Länder und auch Kulturen. Verschiedene Menschen und ihre Lebensweise kennenzulernen. All diese Energien und Farbwelten lasse ich in meine Arbeiten einfließen.

Betrachtet man deine Werke, lassen Stil und Bildsprache bereits auf deinen künstlerischen Background schließen: Seit über 20 Jahren beschäftigst du dich mit Farben, Drucktechniken und Fassadenmalerei und vereinst in deinen Werken abstrakte Strukturen und grafische Formen in ausbalancierten Kompositionen, die ein Spiegelbild deines Grafik-Design-Studiums sind, aufgrund ihrer oft horizontalen, dynamischen Formen dennoch an Graffiti und Stencil erinnern. Wie bist du zur (urbanen) Kunst gekommen? War es der Weg von Graffiti zu Grafikdesign, oder die Entscheidung, Grafik nicht nur im Design, sondern auch im öffentlichen Raum auszuleben?

Meine Wurzeln kommen ganz klar aus dem Graffiti. Seit 1999 habe ich angefangen mich mit Farben, Sprühdosen und Buchstaben auseinander zu setzen. Die ersten 10 Jahre habe ich nichts anderes gemacht, als Buchstaben zu sprühen.

Mein Interesse und meine Leidenschaft für die abstrakt grafischen Formen kamen erst später durch den intensiven Kontakt zum Siebdruck und generell zum Thema Drucktechniken, mit dem ich mich jahrelang beschäftigt habe. Auch meine Ausbildung als Grafik-Designer war ein großer künstlerischer Entwicklungsanstoß für mich.

Formen und Linien mit dem Computer zu entwickeln und anschließend händisch auf die Wand zu übertragen reizt mich noch immer. Ich habe gelernt, dass ich meine Skizzen am Computer schnell verändern und formen kann, doch dass „an der Wand zu stehen“ und etwas mit meinen Händen zu schaffen der wichtigste und aufregendste Teil für mich ist.

Was fasziniert dich an Abstraktion? Woher rührt deine große Leidenschaft für geometrische Linien, räumliche und grafische Strukturen?

Mit Strukturen und der Haptik beschäftige ich mich unbewusst ja schon seit mehr als 20 Jahren. So viele verschiedene Untergründe, die ich schon bespielt habe, haben zu meiner Leidenschaft beigetragen. Auch nicht nur ein Kunstwerk zu sehen, sondern es zu fühlen öffnete eine neue Ebene für mich. Ich glaube viele kennen das Gefühl im Museum das Bild unbedingt anfassen zu wollen, man möchte es fühlen.

Beim figurativen Malen habe ich schnell gemerkt, dass mich das nicht reizt etwas ganz genau abzuzeichnen. Eine Vase bleibt eben immer eine Vase. Erst als ich angefangen haben die Vase blind zu zeichnen wurde es spannend für mich. Was für neue Elemente und Formen herauskamen fand ich faszinierend. Wie frei es auf einmal wurde.

Mein Ordnungssinn und mein Hintergrund als Grafikdesigner haben dann den Rest dazu gegeben. Nachdem ich gelangweilt von Buchstaben war, da es keine Entwicklung mehr gab, habe ich gemerkt das es Zeit für Neues war. Aber was? Also fing ich an mich mit der reinen Linie und Fläche auseinanderzusetzen. So kam ich Stück für Stück dahin wo ich jetzt stilistisch stehe.

Welche Geschichten erzählen deine Werke? 

Meine Werke sind rein abstrakt. Die Formen sind frei erfunden und lehnen nicht am Gegenständlichen an. Es ist ein Spiel mit Richtungen, Energien, Gefühlen und Harmonie. Auch die Mathematik wie Wiederholungen, gleiche und gebrochene Formen, bestimmen die Bildsprache. Die Wiederholung ist ein Thema was mich in der letzten Zeit sehr beschäftigt hat. Eine Wiederholung gibt Sicherheit und bringt Routine rein, kann aber auch stagnierend wirken, indem man immer auf derselben Stelle tritt. Dieser Gegensatz zog mich an und beschäftigt mich. Bei meinen Arbeiten gibt es bestimmte Formen, die sich wiederholen, aber da sie frei mit der Hand gezogen werden immer unterschiedlich sind. Es geht oft nicht um die einzelne Form, die zwar auch für sich allein stehen kann, sondern um die gesamte Komposition. Ein bisschen wie ein Komponist der ein Stück schreibt, indem er die einzelnen Noten präzise und genau überlegt zu einer Melodie aneinander setzt. Genaue Planung mit einem Hauch Zufall ist eine gute Rezeptur für meine Werke.

Das Spannende für mich ist auch, dass jeder Betrachter etwas anderes assoziiert und sich damit eigenständig mit dem Werk auseinandersetzt. Jeder erkennt eigene figürliche oder abstrakte Inhalte darin. Das ist großartig und lässt der Kreativität des Betrachters freien Lauf.

Du nutzt verschiedene Werkzeuge, um ein abstraktes grafisches Ergebnis zu erzielen und kombinierst Digitales mit Haptischem: die Arbeit am Computer mit der Arbeit an der Wand. Wie sehen deine Herangehensweise und dein Arbeitsprozess aus? Überwiegt Planung oder Spontanität?

Spontanität gibt es bei den Wandgestaltungen eher weniger. Da auch die Projekte größer werden, muss ich im Vorfeld gut vorbereitet sein. Meist schau ich mir vorher die Umgebung und den Ort an.

Ich versuche ein Gefühl zu bekommen, ob die zu bespielende Fläche eher „laut“ ist oder eher eine „ruhige“ Herangehensweise braucht. Ich schaue nach Farben, die in der Umgebung bewusst und unbewusst auftauchen und versuche diese harmonisch mit einzubauen. Auch prägnante Formen aus der Architektur verbaue ich in meinen Grafiken. Wobei ich nie genau dieselbe Fläche eins zu eins mit einbeziehe, sondern immer abgewandelt. Ich plane und kreiere das Werk dann vorher am Computer, das ist auch der kreative Part im Prozess. Ich entwickle Formen und Grafiken bis ich zufrieden mit dem Ergebnis bin. Meistens geht der Prozess der Gestaltung über mehrere Tage bis es ein Gefühl gibt, was mir sagt, dass es fertig ist. Die Umsetzung ist dann der Teil der mir am meisten Spaß macht, obwohl der kreative Prozess schon fast abgeschlossen ist. Es gibt natürlich schon Farben und Formen, die sich direkt an der Wand verändern, weil sie für mich besser hineinpassen. Es muss also nicht krampfhaft eins zu eins so umgesetzt werden wie in dem Entwurf.

Deine Outdoor-Arbeiten fügen sich in Form und Gestaltung fließend in ihre Umwelt ein, auch weil du dabei die Farbwelt der Umgebung und Architektur berücksichtigst und aufgreifst. Deine reduzierte Farbpalette ist quasi zu deinem Erkennungsmerkmal geworden. Wie gehst du an die Farbkomposition heran? Sind auch die Farbtöne im Vorfeld genauestens digital geplant?

Mit den Jahren habe ich mir ganz unbewusst diese Farbpalette aufgebaut, hinter der ich immer noch stehe. Ich versuche bei den Wandarbeiten oft die Farben aus der Umgebung mit einfließen zu lassen, um meine Arbeit harmonisch an die Architektur anzulehnen. Manchmal versuche ich auch genau das Gegenteil und benutze mit Absicht die Komplementär-Farben um die Wand lauter und aufregender wirken zu lassen. Aber das tue ich eher seltener.

Die Entscheidung die Farben zu reduzieren kommen auch aus dem Hoch- und Flachdruck, bei dem man für eine Farbe ein Sieb oder Tafel benötigt und es kompliziert zu händeln ist um so mehr Farben zum Einsatz kommen. Also versuche ich mit wenigen Farben alles auszudrücken, was ich empfinde.

Die Farbtöne werden bei der Wandgestaltung im Vorfeld genau mit Hilfe von Farbfächern ausgewählt und geplant. Ich habe keine festen Farbtöne, die ich immer verwende und bin dennoch immer wieder überrascht wie ähnlich sich die Farben bei den verschiedenen Projekten sind. Das ist dann wohl der unbewusste Instinkt bei der Farbauswahl. Aber, wenn die Farben an der Wand nicht so wirken wie gedacht mische ich den Farbton auch schon mal um.

Neben den Einflüssen aus Grafik und Druck – was sind deine Inspirationsquellen, was treibt dich an? Gibt es andere (urbane) Künstler, die dich inspirieren?

Was mich antreibt, sind die Projekte draußen. Mit den Händen was zu erschaffen und körperlich aktiv zu sein. Der Austausch und die Einflüsse verschiedener Städte, Länder und auch Kulturen. Verschiedene Menschen und ihre Lebensweise kennenzulernen. All diese Energien und Farbwelten lasse ich in meine Arbeiten einfließen. Künstler die mich sehr inspirieren sind unter anderem Carmen Herrera, Katharina Grosse, Frank Stella und viele mehr die über das Medium Malerei hinausgehen.

Gibt es (inhaltliche, gestalterische, methodische) Unterschiede zwischen den Werken auf Papier, Holz oder Leinwand, die du im Studio kreierst, und deinen Arbeiten im öffentlichen Raum?

Meine Arbeiten auf Holz oder Leinwand sind sozusagen die komprimierten Arbeiten von denen im öffentlichen Raum. Ich gehe genauso an die Leinwand heran wie bei der Fassade. Inhaltlich sind sie gleich aufgebaut.

In der letzten Zeit habe ich mehr auf Holztafeln gemalt, die zum einen zwar schwerer vom Gewicht aber auch robuster sind. Ich kann das Klebeband direkt auf der Holztafel schneiden und die Erhebungen von den Farbkanten kommen auf dem Holz besser hervor als auf der Leinwand. Somit entsteht auch eine Haptik die man sogar sehen kann. Bei den Studioarbeiten versuche ich mehr ins Objekthafte zu gehen. Das heißt, ich probiere viel mit verschiedenen Materialien herum, um das Werk als dynamisches, dreidimensionales hängendes Objekt zu gestalten. Z.b. habe ich einige Arbeiten auf handgebogenem Acrylglas gemalt. Von vorne sieht es flach aus aber bei näherem Herangehen bemerkt man, dass die Platte verzerrt und gebogen ist. Dabei kommen ganz neue Licht- und Schattenspiele auf das Werk, was eine neue Ebene öffnet. Das ist auch ein Einfluss aus der Architektur.

Bei einer zweiten Variante arbeite ich viel mit Monotypen, das heißt ich arbeite mit Abdrücken. Ich kann im Vorfeld die Form genau bestimmen aber wie der Abdruck aussehen wird, weiß ich vorher nicht genau. Ich spiele sozusagen mit dem Geplanten und dem Zufall wobei jeder Abdruck anders aussieht. Das sind für mich dann eher die etwas spontaneren Arbeiten, bei denen ich im Vorfeld nicht alles bestimmen kann. In den Arbeiten geht es auch mehr um die Strukturen und die Drucktechnik als um die cleane auskomponierte Form.

Du hast bereits weit mehr als 100 Wände weltweit gestaltet, ob im Rahmen von Festivals, privat initiiert oder als Auftragsarbeit, und sagst selbst “die zu produzierende Fläche kann nicht groß genug sein.” Ist es der erhöhte Schwierigkeitsgrad, der dich reizt, oder steigen mit der Größe auch künstlerische Freiheit und Spaßfaktor?

Der Satz „die zu produzierende Fläche kann nicht groß genug sein“ ist mit einem zwinkernden Auge gemeint aber auch mit viel Wahrheit verbunden. Klar, umso größer die zu bespielende Fläche ist umso größer ist das Projekt und es gibt mehr zu organisieren. Ich liebe es wie schon beschrieben an jedes Detail zu denken und zu planen. Die künstlerische Freiheit habe ich fast bei jedem Projekt. Klar passe ich mich mit der Farbwelt auch mal an Vorgaben an, aber wie die Formen und Grafiken aneinander gesetzt werden ist immer frei und nicht verhandelbar. Da habe ich meist ganz genaue Vorstellungen.

Der Spaßfaktor steigt schon mit der „Schwierigkeit“ der zu bespielenden Fläche, das kann man so sagen, da ich dann anfange die Grafik mit der Architektur auf einer Ebene verschmelzen zu lassen. Es geht weit über nur die Malerei hinaus was auch die Projekte so spannend für mich macht.

Auch das jedes Projekt anders ist. Klar kann ich auf Erfahrungen aufbauen aber ich bin immer wieder vor neue Aufgaben gestellt was mich sehr reizt. Das fordert mich nicht nur malerisch, sondern gibt mir neue Energie und Erfahrungen, die ich beim nächsten Projekt wieder mit einfließen lassen kann.

Was steht für dich an? Pläne, Projekte oder Träume für dieses Jahr (bzw. sobald Corona es erlaubt)?

Durch die Corona-Situation ist es natürlich schwieriger geworden Projekte zu planen, weil sich die Situation stets verändert und Projekte und Ausstellungen immer wieder verschoben werden. Daher war ich auch sehr froh über die Einladung zum STADT.WAND.KUNST Festival in Mannheim, das ich seit längerer Zeit verfolge und bei dem ich im April dabei sein durfte. Als nächstes geht es nach Georgien für eine Bodenmalerei eines Basketballplatzes, worauf ich schon sehr gespannt bin.

Für meine weitere Entwicklung würde ich mir wünschen mich mehr mit der Architektur zu verbinden und andere oder neue Untergründe zu bespielen. Das heißt, Wände zu gestalten die z.B. über die Wandmalerei hinausgehen und über mehrere Ebenen oder Materialien gehen. Neue unkonventionelle Flächen zu bespielen wie z.B. Böden, Decken, Treppen oder Stuck mit in die Malerei einfließen zu lassen. Vielleicht sogar skulpturale Formen mit einzubauen.

KERA I Christian Hinz

Berlin, Germany

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Bilder © KERA

 

Mai 2021

by Laura Vetter

Intervista con l’artista berlinese KERA:

Sono motivato dai progetti all’aria aperta. Creare qualcosa con le mie mani ed essere fisicamente attivo. Lo scambio e le influenze di diverse città, Paesi e culture. Imparare a conoscere diverse persone e il loro modo di vivere. Faccio rifluire tutte queste energie e mondi di colore nelle mie opere.

Guardando le tue opere, lo stile e il linguaggio visivo sottintendono il tuo passato artistico: hai lavorato per oltre 20 anni con colori, tecniche di stampa e pittura murale, e il tuo lavoro combina le strutture astratte e le forme grafiche in composizioni equilibrate, riflesso dei tuoi studi di graphic design, ma che ci ricordano comunque i graffiti e gli stencil per via delle loro forme spesso orizzontali, dinamiche. Come ti sei appassionato all’arte (urbana)? È stato il percorso dai graffiti al graphic design o la decisione di esprimere la grafica non solo nel design, ma anche negli spazi pubblici?

Le mie radici affondano chiaramente nei graffiti. Nel 1999 ho iniziato a lavorare con colori, pittura spray e lettere. Per i primi dieci anni non ho fatto altro che scrivere con le bombolette.

Il mio interesse e la mia passione per le forme grafiche astratte sono arrivati più tardi, tramite un contatto intensivo con la serigrafia e le tecniche di stampa in generale, con cui ho lavorato per anni. La formazione come graphic designer ha rappresentato un forte impulso per la mia crescita artistica.

Sviluppare forme e linee con il computer e poi trasferirle a mano su un muro è una cosa che continua a emozionarmi. Ho scoperto di poter cambiare e dare forma velocemente ai miei schizzi sul computer, ma che “mettermi davanti a un muro” e creare qualcosa a mano è la parte più importante ed emozionante per me.

Cosa ti affascina dell’astrazione? Da dove deriva la tua grande passione per le linee geometriche e le strutture spaziali e grafiche?

Mi sono occupato inconsciamente di strutture e sensazioni tattili per più di 20 anni. Il lavoro sulle tante, diverse superfici ha contribuito alla mia passione. Inoltre, il fatto di poter non solo vedere ma anche toccare un’opera d’arte mi ha aperto un nuovo mondo. Penso che molte persone conoscano il desiderio di voler toccare un quadro in un museo; si vuole percepire.

Per quanto riguarda la pittura figurativa, ho realizzato in fretta che non mi emoziona disegnare qualcosa in maniera molto precisa. Un vaso resta sempre un vaso. Solo quando ho iniziato a disegnarlo alla cieca è diventato emozionante. Trovo affascinanti i nuovi elementi e le forme che ne sono nate.

Il mio senso dell’ordine e il mio passato come graphic designer hanno fatto il resto. Dopo essermi annoiato delle scritte, dato che non ci sono stati altri sviluppi, ho capito che era arrivato il momento di passare a qualcos’altro. Ma cosa? Ho così iniziato a lavorare con le linee pure e le superfici. Sono pertanto arrivato dove sono dal punto di vista stilistico poco per volta.

Che storie raccontano le tue opere?

Le mie opere sono puramente astratte. Le forme sono inventate liberamente e non sono rappresentative. È un gioco di direzioni, energie, sensazioni e armonia. Il linguaggio visivo è determinato anche dagli elementi matematici, come le ripetizioni e l’uso delle stesse forme e di quelle spezzate. La ripetizione è un tema su cui di recente mi sono concentrato molto. La ripetizione dà sicurezza e implica una routine, ma può anche essere stagnante, rimanendo sempre nello stesso punto. Questo contrasto mi attrae e mi tiene interessato. Nel mio lavoro ci sono determinate forme ripetute, ma siccome sono disegnate liberamente a mano sono sempre diverse. Spesso non riguarda la forma individuale, che può avere anche un significato da sola, ma la composizione nel suo insieme. È un po’ come un compositore che scrive un’opera posizionando precisamente e deliberatamente le note individuali per comporre una melodia. La pianificazione precisa con un tocco di coincidenza è una buona ricetta per le mie opere.

La cosa emozionante, per me, è che ogni osservatore vi associ qualcosa di diverso, intrattenendo con l’opera un suo rapporto indipendente. Ognuno vi riconosce il proprio contenuto figurativo o astratto. È bellissimo e dà libero sfogo alla creatività dell’osservatore.

Per ottenere un risultato grafico astratto usi diversi strumenti e combini il digitale con il tattile: lavori al computer e sul muro. Qual è il tuo approccio e che processo segui? Predomina la pianificazione o la spontaneità?

Nelle opere murali c’è meno spontaneità. Dato che i progetti stanno anche diventando più grandi devo prepararmi bene in anticipo. Di solito studio l’ambiente e la posizione prima di iniziare.

Provo a capire se l’area su cui devo giocare è “rumorosa” o se necessita di un approccio più “tranquillo”. Cerco i colori che compaiono consapevolmente e inconsapevolmente nell’ambiente e provo a incorporarli armoniosamente. Nella mia grafica uso forme suggestive derivanti dall’architettura, anche se non le copio mai fedelmente ma le includo in maniera modificata. Pianifico e creo il lavoro prima al computer, che è anche la parte creativa del processo. Sviluppo le forme e la grafica finché non sono soddisfatto del risultato. Di solito il processo di progettazione dura diversi giorni, finché non provo la sensazione che mi dice che è pronto. L’implementazione è poi la parte che mi piace di più, anche se il processo creativo è quasi finito. Certo, ci sono colori e forme che cambiano direttamente sul muro, perché mi sembra che siano più adatti. Perciò non viene implementato esattamente com’è nel progetto.

I tuoi lavori all’aria aperta si mescolano fluidamente con il loro ambiente sia per la forma che per il design, perché prendi in considerazione e cogli i colori dell’ambiente e dell’architettura circostanti. La tua tavolozza di colori ridotta è diventata la tua caratteristica distintiva. Come ti approcci alla composizione del colore? Anche le tonalità vengono pianificate digitalmente e meticolosamente in anticipo?

Nel corso degli anni ho costruito a livello abbastanza inconscio questa tavolozza di colori, che continuo a usare. Nei lavori murari cerco spesso di lasciar fluire i colori dell’ambiente in modo che il mio lavoro si integri armoniosamente con l’architettura. A volte cerco di fare l’opposto, usando di proposito i colori complementari per accentuare di più il muro e renderlo più emozionante. Ma lo faccio abbastanza di rado.

La decisione di ridurre il numero di colori è derivata anche dalla tipografia e dalla stampa piana, in cui hai bisogno di uno schermo o di una tavola per un colore, ed è più complicata da gestire col crescere del numero di colori usati. Perciò cerco di esprimere tutto ciò che provo con pochi colori.

Le tonalità vengono selezionate e pianificate in anticipo con l’aiuto delle guide cromatiche. Non uso tonalità fisse, eppure sono sempre sorpreso da quanto i colori di diversi progetti siano simili. Probabilmente è l’istinto inconscio nella selezione dei colori. Ma se i colori sul muro non funzionano come immaginavo, a volte mescolo le varie tonalità.

Oltre alle influenze provenienti da grafica e stampa, quali sono le tue fonti di ispirazione, cosa ti motiva? Ci sono altri artisti (urbani) che ti ispirano?

Sono motivato dai progetti all’aria aperta. Creare qualcosa con le mie mani ed essere fisicamente attivo. Lo scambio e le influenze di diverse città, Paesi e culture. Imparare a conoscere diverse persone e il loro modo di vivere. Faccio rifluire tutte queste energie e mondi di colore nelle mie opere. Gli artisti che mi ispirano sono, fra gli altri, Carmen Herrera, Katharina Grosse, Frank Stella e molti altri che vanno oltre il mezzo della pittura.

Ci sono delle differenze (in termini di contenuto, design, metodo) fra le opere su carta, legno o tela che crei in studio e i lavori eseguiti negli spazi pubblici?

Le mie opere su legno o tela sono, per così dire, la versione compressa di quelle che eseguo nei luoghi pubblici. Mi approccio alla tela nello stesso modo in cui dipingo una facciata. In termini di contenuto, hanno la stessa struttura.

Ultimamente ho dipinto di più sui pannelli di legno, che da una parte sono più pesanti, ma sono anche più robusti. Posso ritagliare il nastro adesivo direttamente sul pannello di legno e l’elevazione dei bordi colorati risulta meglio sul legno che sulla tela. Così si crea anche una sensazione tattile, che si può persino vedere. Nei lavori eseguiti in studio cerco di utilizzare di più gli oggetti. Il che significa che sperimento con molti materiali diversi per creare l’opera come se fosse un oggetto appeso dinamico, tridimensionale. Per esempio, ho dipinto alcune opere su dell’acrilico curvato a mano. Da davanti sembra piano, ma guardandolo meglio si nota che la lastra è distorta e piegata. Ciò crea nuovi giochi di luci e ombre sull’opera, il che apre a nuovi livelli di interpretazione. Anche questo è il risultato dell’influenza dell’architettura.

In una seconda variante lavoro molto con i monotipi, cioè con le stampe. Posso determinare in anticipo la forma esatta, ma non so esattamente come verrà fuori la stampa. Gioco, per così dire, con il pianificato e la coincidenza, per cui ogni impressione è diversa. Per me sono lavori più spontanei, in cui non posso determinare tutto in anticipo. In queste opere mi concentro anche di più sulle strutture e sulla tecnica di stampa anziché sulla forma composta e pulita.

Hai già disegnato ben più di 100 muri in tutto il mondo, che fossero parte di festival, iniziative private o lavori commissionati, e tu stesso hai detto che “l’area da dipingere non può mai essere grande abbastanza”. È il maggiore livello di difficoltà ad attirarti, o la libertà artistica e il fattore del divertimento, che aumentano con le dimensioni?

La frase “l’area da dipingere non può mai essere grande abbastanza” è da interpretare come detta con un luccichio negli occhi, ma è molto vera. Certo, più è grande l’area da coprire, più grande è il progetto e più c’è da organizzare. Amo pensare e pianificare ogni dettaglio, come ho già detto. Ho libertà artistica con quasi ogni progetto; certo, a volte mi adatto alle specifiche per quanto riguarda i colori, ma la posizione delle forme e degli aspetti grafici è sempre libera e non negoziabile. Di solito ho delle idee molto precise.

Il fattore del divertimento aumenta con la “difficoltà” della superficie su cui giocare, possiamo dire, perché a quel punto inizio a fondere la grafica con l’architettura. Non si tratta solo di dipingere, che è anche il motivo per cui trovo sempre i progetti molto emozionanti.

E poi ogni progetto è diverso. Ovviamente posso fare affidamento sull’esperienza, ma mi imbatto sempre in nuove sfide, il che mi emoziona molto. Non solo mi mettono alla prova come pittore, ma mi danno anche una nuova energia ed esperienza che posso incorporare nei progetti successivi.

Cosa farai adesso? Hai dei piani, progetti o sogni per quest’anno (o non appena il coronavirus te lo permetterà)?

Per via del coronavirus è ovviamente diventato più difficile pianificare qualcosa, perché la situazione è in continuo cambiamento e i progetti e le mostre vengono sempre rinviati. Per questo sono stato molto contento dell’invito al festival STADT.WAND.KUNST a Mannheim, che seguo da un po’ di tempo e a cui ho partecipato ad aprile. Poi andrò in Georgia per dipingere un campo da basket, cosa per cui sono già molto emozionato

Per crescere a livello personale mi piacerebbe connettermi di più con l’architettura e dipingere su superfici diverse o nuove. Cioè, occuparmi di muri che vadano oltre la pittura murale, per esempio, e usare diversi livelli o materiali. Mi piacerebbe giocare con nuove superfici non convenzionali, come pavimenti, soffitti, scale o stucco con la pittura, o forse persino incorporare delle forme scultoree.

KERA I Christian Hinz

Berlino, Germania

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Immagini © KERA

 

Maggio 2021

by Laura Vetter