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Interview with Italian painter and muralist Gola Hundun:

My desire is not only to make people think but also to encourage them to have an active, reactive position, to make conscious choices for the present and for the future. I mean, in this regard, to stop being passive consumers of the real world or to do one’s part in the give-and-take cycle.

You are an artist and muralist, and your work focuses on the relationship between humans and the biosphere, such as interspecies communication, shamanism, ecology, vegetarianism, and spirituality. What messages do you want to convey? What techniques and media do you use to visualize these relationships?

For me, it is essential that the drive to create a new work comes from the desire for communication and is an invitation for reflection, even if sometimes my language is a bit cryptic. The intent is to make the individual reflect on their position towards the well-being offered by contemporary society, to ask themselves what well-being, comfort, and price one actually pays for it in terms of personal freedom, mental clarity, and, above all, costs for the planet-system.

It is, therefore, a push to reflect on the fact that we humans have created our world – the city – parallel to the natural world, which, however, is governed by different laws. The world of nature is in fact seen as a reservoir of resources, a moment of leisure from the former and little else, so much so that most of us are unable to return to the natural world and consider it as a habitat; indeed, it identifies us as an alien. I call the natural world the real world.

Photo by Diana Larrea

The aim of my work is to encourage the consciences of my peers regarding this separation that has weighed on the human system in these remote times (today, further catalyzed by the creation of the virtual world in which we spend most of the day). It is also the main reason for the lack of empathy on the part of us humans towards other animals, plants, and everything that exists outside us, as well as the lack of awareness of the interdependent relationships that exist between all living beings.

My desire is not only to make people think but also to encourage them to have an active, reactive position, to make conscious choices for the present and for the future. I mean, in this regard, to stop being passive consumers of the real world or to do one’s part in the give-and-take cycle. That’s how I try to live too; my approach to doing is exploratory. I try to change my artistic sign as I transform over the days, over the years. In terms of media and techniques, I like to wander, experiment with languages, surfaces, and shapes as they appear to me along the way and how I think it is more effective.

You attended the art school in Ravenna for classical artistic training, and then you graduated with a degree in fine arts from the Academy of Bologna. After your studies, in 2004, you moved to Barcelona, travelled the world, and took your artistic career global. What prompted you to return to your home country, to turn your back on galleries and the established world of art, and go out into nature?

Of course, spending my time in daily contact with nature and adventure has always been necessary for my balance and my inspiration, sometimes even just in fantasy. However, I don’t think I have severed my links with the world of galleries; I consider them a portal. Sometimes it is difficult to communicate, I admit. In fact, I’m waiting for the right interlocutor to present himself, the right gallery to create together a lasting dialogue capable of catalyzing my research. It is a combination that, with the means of communication at our disposal today, could be developed from any part of the globe; perhaps also, for this reason, I have chosen to return to my homeland. As much as I like the movement and the stimulation of the multitude, I believe that life in the city is aggressive and, in the long run, alienating. I had started to feel oppressed even in a small and fun city like Barcelona (also for sentimental reasons). I grew up in a small seaside town. Dynamism is fundamental for me, as is water, space, and short distances. Right now, I’m writing from a small house near a wood, which allows me to have daily contact with nature, as well as offering me a testbed for certain experiments with plants, nest sculptures, etc. Another strong reason that made me come back is my new artistic project, for which I knew that here I could move better both in terms of the work network (musicians, videomakers, photographers) and in terms of the elements of investigation (the ruins recolonized by nature). The project is called HABITAT and deserves a separate study. All that being said, I can’t wait to travel again!

Barcelona was also the city that brought graffiti influences back into your work and where you decided to bring your creations back to the walls of the street. What was the impulse? Why did you choose the public space as a work and exhibition environment?

Like all great discoveries and adventures, it all started randomly. I ended up in it like a euphoric and enthralling dance. Once inside, I understood its potential. That scene that began to be called Street Art was very different from what it is today, and in the specificity of Barcelona, ​​then, it was it was characterized by exciting sharing and free experimentation. It was easy to make that choice, and meeting Pyu (ex-member of the ONG Crew) was my dive vector.

Working in the real world, in the physical space, had (and continues to have) a social sense: it allows you to have a direct encounter with the most disparate human types of use, and therefore not strictly with “experts”. It was exciting and had a much greater communicative power; in addition, each time, it was (and is) an adventure that started from going to do and came to meeting and sharing. With the passage of time, the space of reality and its inhabitants have assumed an increasingly important role in my poetics.

Would you describe yourself as an urban artist or as a land artist? Do you see a clear separation between the two?

Looking at the last few years of the past decade, I realized that there is a sub-trend that wants to make these fields converge, and I feel I am part of this movement. Personally, already from my first more or less wild productions in public space, I timidly tried to hybridize muralism with installation and then land art. These are pieces that I care very much for, because of their courageous and somewhat irreverent character, but which are not unfortunately among the best known in my production, perhaps also due to the documentation and not too accurate dissemination of those years, but hey. For example, the 2006 Cappix project comes to mind, the bulwarks with confetti or with substantial parts that came out in the third dimension from the wall, sometimes generating walkable spaces such as that of the legendary INFART III, one of the best festivals I have ever participated in. From there, I continued to experiment with this hybridization, albeit in a discontinuous way. Today, for me, the installation/land artist side, in addition to having its aesthetic reasons, increasingly has the function of helping me to generate spaces, microworlds, which can be used by other species as a refuge, as sustenance, or otherwise enjoyed (above all in the works within urbanity) to further increase the meaning of my work, which is that of coexistence and sharing, of the breaking down of the border between human and non-human space.

Your work always contains allegorical interpretation and combines a variety of different influences such as post-human culture, sacred art, zoology, and psychedelic art. What are your sources of inspiration? Are there other artists who inspire you?

Trying to answer this question is always very difficult for me. I am fascinated by masters who investigate similar fields, as well as by others whose answers and areas are totally opposite. I am stimulated by the sense of absolute and amorphous of Burri or of his friend 108, as much as I am by the poetics of Hundertwasser, the light of Turner (which I would love to see again), or the worlds of Hieronymus Bosch. I have great respect for the work of Waone and Aec (ex Interesni Kazki duo) and the master Blu (perhaps his first strong and inspiring contact with street art in 2000 during his studies in Bologna).

When it comes to sources of inspiration, I cannot fail to mention the irresistible fascination with rock art from all over the world and for what it represents (i.e., a world where there was still no distinction between animals, men, trees, and spirits: a soul world where beings could transform themselves and you never knew if it was a god, a rock or a human being). I also think of the jewels of that world that were made of materials that belong to the earth; I think of the solutions of the Celtic peoples for whom the forest was home and temple and of the ancestral primitive nomadic world and the forms of primitivism. Primitivism that becomes futuristic in the works of Tissue Culture and Art (although I have lost track a bit lately) … and again the forms and forces of the architecture and the paintings of the places of worship, the Nuragic wells, the Hindu temples, the abandoned churches, the sumptuous cathedrals, up to the drawings of dreamy videogame developers like Another World or Journey, the writings of Gilles Clément and of course the music … the music, yes, the music … but that’s another story … I miss making music. I always hope to start over … maybe this year I will have the opportunity.

With your work you have experienced and observed, for more than a decade, the complicated relationship of human beings with the earth. What are the insights you can share with us? What is your personal vision of the relationship between man and the biosphere?

I warn that in the era of globalization we are experiencing, the system has managed to inculcate the same acquisitive needs in all the inhabitants of the planet and has done so in a widespread manner, from the citizen of the “first world” megalopolis to the nomad of the savannah. In the same way, popular culture has become very standardized, with the double-edged sword of social networks that have made a lot of information flow where it would otherwise not have arrived, while at the same time influencing status symbols and ideas of the winning figure in society, flattening its canons, especially in the new generations where the gap opens more and more between perhaps introverted super sensitivity and total superficiality. We know the thirst for comfort is what the global economy is based on, and it weighs on older generations as much as it does on millennials. This tsunami, in my opinion, has hit everything without taking into account the specific evolution of different societies (both in terms of structure and culture). The big picture is that it is being destroyed to tap into, to create, and to sell objects that will be abandoned on earth as waste. It is as if different continents are living in different “evolutionary” times that have to deal with the impositions of the market, which is like a higher level equal for everyone. This creates even more imbalances, but it massifies the results. It is sad to see that representatives of different ancestral cultures aspire to be similar to emblems of younger and capitalization-based cultures, perhaps the same ones that colonized them first with weapons and then with consumer goods (I recall this feeling by observing a group of men when I was painting in Painted Desert on the Navajo reservation in Arizona). People who lose their roots, their specificity … The societies that until yesterday lived in close contact with nature and knew its movements, absurdly, today are among the most polluting because they aspire to become similar to the models imposed by the global economy and tend not to evaluate or know the effects of the “disposable” mode that has already thrived in the first world, where it has already had a devastating action.

In the so-called first world, at the popular level, there is a lot of sensitivity to the discourse of ecological sustainability, although the large goods factories already use the banner of organic products to wash their brand and continue to thrive in the logic of global exploitation. A good vegan today is not necessarily sustainable (if the Pythagoreans knew it!); however, the new generations, albeit in the great confusion of this moment of human evolutionary transition, are generally very informed and attentive and, even if they are not all active, they are aware of living in a world no longer based on the logic of exploitation of the planet like an infinite mine. Things are changing, but time is running out. We are certainly living in a moment that is unprecedented in human history. For this, strong, joint, and immediate action on the part of everyone is required – a paradigm shift on the part of those who have so far decided everyone’s fate: the capitalist system. My dream is to recover integration with the “real world” as it was in pagan societies before the advent of the great monotheisms and their Platonic pyramidal hierarchies, with the knowledge we have today in scientific and philosophical fields.

HABITAT describes “the home or natural environment of an animal, plant or other organism” or “a person’s usual or preferred environment”. Why did you choose this name for your new project, which evolved from your side project and from your personal research in ABITARE? What is it about?

By habitat, we mean the natural environment of an animal, in this case, the habitat of the homo animal, which for more than three millennia has been the city, and its lair: the house, the building. The Western world is full of buildings in a state of semi-neglect. Very often, the demolition and disposal of the same requires the use of considerable resources, almost always unsustainable by both public and private property. The result of these long waits is a gradual re-appropriation by nature of a space that belonged to it and which, in fact, gradually returns to be populated with living beings other than human beings. The objective of HABITAT is the investigation, study, and formal research of this phenomenon read as a natural artistic process.

HABITAT aims to describe a vision of life in the anthropic space after the end of the Anthropocene. The fields of investigation start from an aesthetic analysis supported by photographic and video documentation that is continuous over time and does not stop at the moment of the artistic intervention but proceeds in conjunction with the spontaneous growth of the fauna and vegetative elements. The artistic intervention is conceived as a small gold-colored sign to emphasize and enhance the magical and sublime character (of which the gold color is a symbol) of the ready-made, made by nature itself.


Rimini, Italy

Instagram golahundun

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Pictures © GOLA HUNDUN


February 2021

Interview mit dem italienischen Maler und Muralist Gola Hundun:

Mein Wunsch ist es, die Menschen nicht nur zum Nachdenken anzuregen, sondern sie zu einer aktiven, reaktiven Haltung zu ermutigen, bewusste Entscheidungen für die Gegenwart und für die Zukunft zu treffen. Ich meine damit, aufzuhören, passive Konsumenten der realen Welt zu sein oder seinen Teil im Kreislauf des Gebens und Nehmens zu leisten.

Du bist Künstler und Muralist und deine Arbeit konzentriert sich auf die Beziehung zwischen Mensch und Biosphäre, wie z.B. der Kommunikation zwischen den Spezies, Schamanismus, Ökologie, Vegetarismus und Spiritualität. Welche Botschaften möchtest du vermitteln? Welche Techniken und Medien verwendest du, um diese Beziehungen zu visualisieren?

Für mich ist es wesentlich, dass der Antrieb, ein neues Werk zu schaffen, aus dem Wunsch nach Kommunikation kommt und eine Einladung zum Nachdenken ist, auch wenn meine Sprache manchmal etwas kryptisch ist. Die Absicht ist, den Einzelnen dazu zu bringen, über seine Position gegenüber dem Wohlbefinden, das die heutige Gesellschaft bietet, nachzudenken. Und, sich zu fragen, welches Wohlbefinden, welchen Komfort und welchen Preis man dafür eigentlich bezahlt, in Bezug auf persönliche Freiheit, geistige Klarheit und vor allem Kosten für das Planetensystem.

Es ist also ein Anstoß, über die Tatsache nachzudenken, dass wir Menschen unsere Welt – die Stadt – parallel zur natürlichen Welt geschaffen haben, die jedoch anderen Gesetzen unterliegt. Die Welt der Natur wird in der Tat als ein Reservoir von Ressourcen, ein Moment der Entspannung von ersterem und wenig mehr gesehen, so sehr, dass die meisten von uns nicht in der Lage sind, in die natürliche Welt zurückzukehren und sie als Lebensraum zu betrachten; sie identifiziert uns in der Tat als einen Fremden. Ich nenne die natürliche Welt die reale Welt.

Foto von Diana Larrea

Das Ziel meiner Arbeit ist es, das Gewissen meiner Mitmenschen hinsichtlich dieser Trennung zu ermutigen, die das menschliche System seit langer Zeit belastet hat (heute zusätzlich katalysiert durch die Schaffung der virtuellen Welt, in der wir die meiste Zeit des Tages verbringen). Sie ist auch der Hauptgrund für das mangelnde Einfühlungsvermögen von uns Menschen gegenüber anderen Tieren, Pflanzen und allem, was außerhalb von uns existiert, sowie das fehlende Bewusstsein für die voneinander abhängigen Beziehungen, die zwischen allen Lebewesen bestehen.

Mein Wunsch ist es, die Menschen nicht nur zum Nachdenken anzuregen, sondern sie zu einer aktiven, reaktiven Haltung zu ermutigen, bewusste Entscheidungen für die Gegenwart und für die Zukunft zu treffen. Ich meine damit, aufzuhören, passive Konsumenten der realen Welt zu sein oder seinen Teil im Kreislauf des Gebens und Nehmens zu leisten. So versuche ich auch zu leben; meine Herangehensweise an das Tun ist forschend. Ich versuche, mein künstlerisches Zeichen zu verändern, so wie ich mich über die Tage, über die Jahre verändere. Was die Medien und Techniken angeht, wandere ich gerne, experimentiere mit Sprachen, Oberflächen und Formen, wie sie mir auf dem Weg erscheinen und wie ich denke, dass es effektiver ist.

Du hast an der Kunstschule in Ravenna eine klassische künstlerische Ausbildung absolviert, und dann einen Abschluss in bildender Kunst an der Akademie von Bologna gemacht. Nach deinem Studium, im Jahr 2004, bist du nach Barcelona gezogen, hast die Welt bereist und deine künstlerische Karriere auf ein globales Level gebracht. Was hat dich dazu bewogen, in dein Heimatland zurückzukehren, den Galerien und der etablierten Kunstwelt den Rücken zu kehren und hinaus in die Natur zu gehen?

Natürlich war der tägliche Kontakt mit der Natur und das Abenteuer schon immer notwendig für mein Gleichgewicht und meine Inspiration, manchmal auch nur in der Fantasie. Ich glaube aber nicht, dass ich meine Verbindungen zur Welt der Galerien gekappt habe; ich betrachte sie als ein Portal. Manchmal ist es schwierig zu kommunizieren, das gebe ich zu. In der Tat warte ich darauf, dass sich der richtige Gesprächspartner präsentiert, die richtige Galerie, um gemeinsam einen dauerhaften Dialog zu schaffen, der in der Lage ist, meine Forschung zu katalysieren. Es ist eine Kombination, die mit den uns heute zur Verfügung stehenden Kommunikationsmitteln von jedem Teil des Globus aus entwickelt werden könnte; vielleicht habe ich auch aus diesem Grund beschlossen, in meine Heimat zurückzukehren. So sehr ich auch die Bewegung und die Stimulation der Menge mag, glaube ich, dass das Leben in der Stadt aggressiv und auf Dauer entfremdend ist. Ich hatte angefangen, mich selbst in einer relativ aufgeschlossenen und lustigen Stadt wie Barcelona unterdrückt zu fühlen (auch aus sentimentalen Gründen). Ich bin in einer kleinen Stadt am Meer aufgewachsen. Dynamik ist für mich fundamental, genauso wie Wasser, Raum und kurze Wege. Im Moment schreibe ich von einem kleinen Haus in der Nähe eines Waldes aus, was mir den täglichen Kontakt mit der Natur ermöglicht und mir ein Testfeld für bestimmte Experimente mit Pflanzen, Nest-Skulpturen etc. bietet. Ein weiterer starker Grund, der mich zurückkommen ließ, ist mein neues künstlerisches Projekt, für das ich wusste, dass ich mich hier besser bewegen kann, sowohl in Bezug auf das Arbeitsnetzwerk (Musiker, Videomacher, Fotografen) als auch in Bezug auf die Elemente der Untersuchung (die von der Natur wiederbesiedelten Ruinen). Das Projekt heißt HABITAT und verdient eine eigene Untersuchung. Abgesehen davon, kann ich es kaum erwarten, wieder zu reisen!

Barcelona war auch die Stadt, die Graffiti-Einflüsse in deine Arbeit zurückbrachte und in der du dich entschieden hast, deine Kreationen zurück auf die Wände der Straße zu bringen. Was war der Auslöser? Warum hast du den öffentlichen Raum als Arbeits- und Ausstellungsumgebung gewählt?

Wie alle großen Entdeckungen und Abenteuer hat alles zufällig begonnen. Ich landete darin wie in einem euphorischen und mitreißenden Tanz. Einmal drinnen, verstand ich das Potenzial. Diese Szene, die anfing, Street Art genannt zu werden, unterschied sich sehr von dem, was sie heute ist, und in der Besonderheit von Barcelona war sie damals von aufregendem Austausch und freiem Experimentieren geprägt. Es war einfach, diese Entscheidung zu treffen, und das Treffen mit Pyu (Ex-Mitglied der ONG Crew) war mein der Auslöser für mein Eintauchen.

Die Arbeit in der realen Welt, im physischen Raum, hatte (und hat immer noch) einen sozialen Sinn: Sie ermöglicht dir eine direkte Begegnung mit den unterschiedlichsten menschlichen Nutzungsarten und somit nicht ausschließlich mit “Experten”. Es war aufregend und hatte eine viel größere kommunikative Kraft; außerdem war (und ist) es jedes Mal ein Abenteuer, das vom Gehen zum Tun begann und zum Treffen und Teilen führt. Im Laufe der Zeit haben der Realitätsraum und seine Bewohner eine immer wichtigere Rolle in meiner Poetik eingenommen.

Würdest du dich als Urban Artist oder als Land Artist bezeichnen? Siehst du eine klare Trennung zwischen den beiden?

Wenn ich mir die letzten Jahre des vergangenen Jahrzehnts anschaue, habe ich festgestellt, dass es einen Subtrend gibt, der diese Felder zusammenführen will, und ich fühle mich als Teil dieser Bewegung. Ich persönlich habe schon bei meinen ersten mehr oder weniger wilden Produktionen im öffentlichen Raum zaghaft versucht, Muralismus mit Installation und dann Land Art zu hybridisieren. Das sind Arbeiten, die mir sehr am Herzen liegen, wegen ihres mutigen und etwas respektlosen Charakters, die aber leider nicht zu den bekanntesten meiner Produktion gehören. Vielleicht auch wegen der mangelnden Dokumentation und nicht allzu genauen Verbreitung jener Jahre, aber hey.

Da fällt mir zum Beispiel das Cappix-Projekt von 2006 ein, die Bollwerke aus Konfetti oder substanziellen Teilen, die in der dritten Dimension aus der Wand kamen und manchmal begehbare Räume erzeugten, wie z.B. beim legendären INFART III, eines der besten Festivals, an denen ich je teilgenommen habe. Von dort aus habe ich weiter mit dieser Hybridisierung experimentiert, wenn auch auf eine diskontinuierliche Art und Weise. Heute hat die installative bzw. landkünstlerische Seite für mich neben ihren ästhetischen Gründen zunehmend die Funktion, mir dabei zu helfen, Räume bzw. Mikrowelten zu generieren, die von anderen Spezies als Zufluchtsort, als Nahrung genutzt oder anderweitig genossen werden können (vor allem in den Arbeiten innerhalb der Urbanität), um die Bedeutung meiner Arbeit weiter zu steigern, die die der Koexistenz und des Teilens ist, des Aufbrechens der Grenze zwischen menschlichem und nichtmenschlichem Raum.

Deine Arbeit enthält immer auch eine allegorische Interpretation und kombiniert eine Vielzahl von verschiedenen Einflüssen wie post-humane Kultur, sakrale Kunst, Zoologie und psychedelische Kunst. Was sind deine Quellen der Inspiration? Gibt es andere Künstler, die dich inspirieren?

Der Versuch, diese Frage zu beantworten, ist für mich immer sehr schwierig. Ich bin fasziniert von Meistern, die ähnliche Felder erforschen, aber auch von anderen, deren Antworten und Bereiche völlig entgegengesetzt sind. Der Sinn für das Absolute und Amorphe von Burri oder seines Freundes 108 regt mich genauso an wie die Poetik von Hundertwasser, das Licht von Turner (das ich gerne wieder sehen würde) oder die Welten von Hieronymus Bosch. Ich habe großen Respekt vor der Arbeit von Waone und Aec (ex Interesni Kazki Duo) und dem Meister Blu (vielleicht sein erster starker und inspirierender Kontakt mit Street Art im Jahr 2000 während seines Studiums in Bologna).

Wenn es um Inspirationsquellen geht, kann ich nicht umhin, die unwiderstehliche Faszination für Felsbildkunst aus aller Welt zu erwähnen und für das, was sie repräsentiert (d.h. eine Welt, in der es noch keine Unterscheidung zwischen Tieren, Menschen, Bäumen und Geistern gab: eine Seelenwelt, in der sich Wesen verwandeln konnten und man nie wusste, ob es ein Gott, ein Fels oder ein Mensch war). Ich denke auch an die Juwelen dieser Welt, die aus Materialien hergestellt wurden, die zur Erde gehören; ich denke an die Lösungen der keltischen Völker, für die der Wald Heimat und Tempel war und an die uralte primitive Nomadenwelt und die Formen des Primitivismus. Primitivismus, der in den Werken der Gewebekultur und der Kunst futuristisch wird (obwohl ich in letzter Zeit ein wenig den Überblick verloren habe)… und wieder die Formen und Kräfte der Architektur und der Malereien der Kultstätten, der Nuragischen Brunnen, der Hindu-Tempel, der verlassenen Kirchen, der prunkvollen Kathedralen, bis hin zu den Zeichnungen verträumter Videospielentwickler wie Another World oder Journey, den Schriften von Gilles Clément und natürlich der Musik … der Musik, ja, der Musik … aber das ist eine andere Geschichte … Ich vermisse es, Musik zu machen. Ich hoffe immer, dass ich mich dem wieder widmen kann… vielleicht habe ich dieses Jahr die Gelegenheit dazu.

Mit deiner Arbeit hast du mehr als ein Jahrzehnt lang die komplizierte Beziehung des Menschen zur Erde erlebt und beobachtet. Was sind die Erkenntnisse, die du mit uns teilen kannst? Was ist deine persönliche Vision von der Beziehung zwischen dem Menschen und der Biosphäre?

Ich warne davor, dass das System in der Ära der Globalisierung, die wir erleben, es geschafft hat, allen Bewohnern des Planeten die gleichen Erwerbsbedürfnisse einzuimpfen, und zwar auf eine weit verbreitete Art und Weise: vom Bürger der Megalopolis, der “ersten Welt”, bis zum Nomaden der Savanne. Genauso hat sich die Populärkultur sehr standardisiert, mit dem zweischneidigen Schwert der sozialen Netzwerke, die viele Informationen dorthin fließen ließen, wo sie sonst nicht angekommen wären, während sie gleichzeitig die Statussymbole und Ideen der ‘Siegerfigur’ in der Gesellschaft beeinflussen und ihren Kanon verflachen. Besonders in den neuen Generationen, wo sich die Kluft zwischen introvertierter Supersensibilität und totaler Oberflächlichkeit immer mehr öffnet. 

Wir wissen, dass der Durst nach Bequemlichkeit die Grundlage der globalen Wirtschaft ist, und er lastet auf den älteren Generationen genauso wie auf den Millennials. Dieser Tsunami hat meiner Meinung nach alles getroffen, ohne die spezifische Entwicklung der verschiedenen Gesellschaften (sowohl in Bezug auf die Struktur als auch auf die Kultur) zu berücksichtigen. Das Gesamtbild ist, dass jegliches zerstört wird, um Dinge anzuzapfen, zu erschaffen und zu verkaufen, die auf der Erde als Abfall zurückgelassen werden. Es ist, als ob verschiedene Kontinente in unterschiedlichen “evolutionären” Zeiten leben, die sich mit den Zumutungen des Marktes auseinandersetzen müssen, der wie eine höhere Ebene für alle gleich ist. Das schafft noch mehr Ungleichgewichte, aber es beschleunigt die Ergebnisse. Es ist traurig zu sehen, dass Vertreter verschiedener angestammter Kulturen danach streben, den Emblemen jüngerer und auf Kapitalisierung basierender Kulturen ähnlich zu sein. Vielleicht denselben, die sie zuerst mit Waffen und dann mit Konsumgütern kolonisiert haben (ich erinnere mich an dieses Gefühl, als ich eine Gruppe von Männern beobachtete, als ich in Painted Desert im Navajo Reservat in Arizona malte). Menschen, die ihre Wurzeln, ihre Besonderheit verlieren… Die Gesellschaften, die bis gestern noch in engem Kontakt mit der Natur lebten und ihre Bewegungen kannten, gehören heute absurderweise zu den umweltverschmutzendsten, weil sie danach streben, den von der globalen Wirtschaft auferlegten Modellen ähnlich zu werden und dazu neigen, die Auswirkungen des “Wegwerf”-Modus nicht zu bewerten oder zu kennen, der in der ersten Welt bereits gediehen ist und dort bereits eine verheerende Wirkung hat.

In der sogenannten ersten Welt, auf der populären Ebene, gibt es viel Sensibilität für den Diskurs der ökologischen Nachhaltigkeit, obwohl die großen Warenfabriken bereits das Banner der Bioprodukte nutzen, um ihre Marke zu waschen und weiterhin in der Logik der globalen Ausbeutung zu gedeihen. Ein guter Veganer ist heute nicht unbedingt nachhaltig (wenn das die Pythagoreer gewusst hätten!); jedoch sind die neuen Generationen, wenn auch in der großen Verwirrung dieses Moments des menschlichen, evolutionären Übergangs, im Allgemeinen sehr informiert und aufmerksam. Und, auch wenn sie nicht alle aktiv sind, sind sie sich bewusst, in einer Welt zu leben, die nicht mehr auf der Logik der Ausbeutung des Planeten wie einer unendlichen Mine basiert. Die Dinge ändern sich, aber die Zeit läuft ab. Wir leben sicherlich in einem Moment, der in die Geschichte der Menschheit beispiellos ist. Dafür ist ein starkes, gemeinsames und sofortiges Handeln aller erforderlich – ein Paradigmenwechsel bei denen, die bisher über das Schicksal aller entschieden haben: das kapitalistische System. Mein Traum ist es, die Integration mit der “realen Welt” wiederzuerlangen, wie sie in den heidnischen Gesellschaften vor dem Aufkommen der großen Monotheismen und ihrer platonischen Pyramidenhierarchien war, mit dem Wissen, das wir heute in wissenschaftlichen und philosophischen Bereichen haben.

HABITAT beschreibt “das Zuhause oder die natürliche Umgebung eines Tieres, einer Pflanze oder eines anderen Organismus” oder “die übliche oder bevorzugte Umgebung einer Person”. Warum hast du diesen Namen für dein neues Projekt gewählt, das sich aus deinem Nebenprojekt und aus deiner persönlichen Forschung ABITARE entwickelt hat? Worum geht es dabei?

Mit Habitat meinen wir die natürliche Umgebung eines Tieres, in diesem Fall das Habitat des Homo Animalis, das seit mehr als drei Jahrtausenden die Stadt ist, und seine Behausung: das Haus, das Gebäude. Die westliche Welt ist voll von Gebäuden, die sich in einem Zustand der Halbverwahrlosung befinden. Sehr oft erfordert der Abriss und die Entsorgung dieser den Einsatz beträchtlicher Ressourcen, fast immer unhaltbar durch öffentliches und privates Eigentum. Das Ergebnis dieser langen Wartezeiten ist eine allmähliche Wiederaneignung eines Raumes durch die Natur, der ihr gehörte und der in der Tat allmählich wieder mit anderen Lebewesen als Menschen besiedelt wird. Das Ziel von HABITAT ist die Untersuchung, das Studium und die formale Erforschung dieses Phänomens, das als ein natürlicher künstlerischer Prozess gelesen werden kann.

HABITAT zielt darauf ab, eine Vision des Lebens im anthropischen Raum nach dem Ende des Anthropozäns zu beschreiben. Die Untersuchungsfelder gehen von einer ästhetischen Analyse aus, die von einer zeitlich kontinuierlichen Foto- und Videodokumentation unterstützt wird, und nicht im Moment der künstlerischen Intervention aufhört – sondern in Verbindung mit dem spontanen Wachstum der Fauna und der vegetativen Elemente fortschreitet. Die künstlerische Intervention ist als kleines goldfarbenes Zeichen konzipiert, um den magischen und erhabenen Charakter (für den die goldene Farbe ein Symbol ist) des Readymades, das von der Natur selbst gemacht wurde, zu betonen und zu verstärken.


Rimini, Italien

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Pictures © GOLA HUNDUN


Februar 2021

Intervista con il pittore e muralista italiano Gola Hundun:

Il mio desiderio non è solo di fare riflettere, ma anche di incitare ad avere una posizione attiva, reattiva, operare scelte coscienti per il presente e per il futuro. Mi riferisco, a questo riguardo, allo smettere di essere consumatori passivi del mondo reale o al fare la propria parte nel ciclo del dare/prendere.

Sei un artista e muralista e il tuo lavoro si concentra sul rapporto tra gli esseri umani e la biosfera, come la comunicazione interspecie, lo sciamanesimo, l’ecologia, il vegetarianesimo e la spiritualità. Quali messaggi vuoi trasmettere? Quali tecniche e media utilizzi per visualizzare queste relazioni? 

Per me è fondamentale che la spinta alla creazione di un nuovo lavoro nasca dal desiderio di comunicazione e da un invito alla riflessione, anche se a volte il mio linguaggio risulta un po’ criptico. L’intento è di far riflettere il singolo rispetto alla sua posizione nei confronti del benessere offerto dalla società contemporanea, di interrogarsi su cosa sia effettivamente il benessere, il comfort e il prezzo che si paga per averlo in termini di libertà personale, lucidità mentale e, soprattutto, il costo che deve pagare il sistema-pianeta. 

È dunque una spinta a riflettere sul fatto che noi umani abbiamo creato il nostro mondo – la città – parallelo al mondo naturale, che però è regolato da leggi diverse. Il mondo della Natura è visto infatti come bacino di risorse, momento di svago dal primo e poco altro, tant’è vero che la maggior parte di noi è incapace di fare ritorno al mondo naturale e considerarlo come habitat; anzi, lo identifica come alieno. Io chiamo il mondo naturale: Mondo Reale.

Foto di Diana Larrea

Il tentativo del mio lavoro è di spronare le coscienze dei miei simili in merito a questa separazione che da tempi ormai remoti grava sul sistema umano (oggi catalizzata ulteriormente dalla creazione del mondo virtuale di internet in cui passiamo buona parte della giornata). Essa è inoltre la ragione principale della mancanza di empatia da parte di noi umani nei confronti degli altri animali, delle piante e di tutto ciò che esiste al di fuori di noi nonché la mancata consapevolezza delle relazioni di interdipendenza che esistono tra tutti gli esseri viventi.

Il mio desiderio non è solo di fare riflettere, ma anche di incitare ad avere una posizione attiva, reattiva, operare scelte coscienti per il presente e per il futuro. Mi riferisco, a questo riguardo, allo smettere di essere consumatori passivi del mondo reale o al fare la propria parte nel ciclo del dare/prendere. Così cerco di vivere anche io stesso, il mio approccio al fare è esplorativo, cerco di mutare il mio segno così come mi trasformo nei giorni, negli anni. A livello di media, di tecniche, mi piace spaziare, sperimentare linguaggi, superfici e forme per come mi si presentano nel percorso e come penso sia più efficace.

Hai frequentato il liceo artistico di Ravenna per la formazione artistica classica e poi ti sei laureato in Belle Arti all’Accademia di Bologna. Dopo gli studi, nel 2004, ti sei trasferito a Barcellona, hai viaggiato per il mondo e hai portato la tua carriera artistica a livello globale. Cosa ti ha spinto a tornare nel tuo Paese d’origine, a voltare le spalle alle gallerie e all’affermato mondo dell’arte e a uscire nella natura? 

Di certo, passare quotidianamente il mio tempo a contatto con la natura e all’avventura è stato sempre necessario per il mio equilibrio e la mia ispirazione, a volte anche solo nella fantasia. Tuttavia, non penso di aver reciso il legame con il mondo delle gallerie, le considero come un portale. A volte è una comunicazione difficile, lo ammetto. In effetti, sto aspettando che si presenti il giusto interlocutore, la giusta galleria per creare insieme un dialogo duraturo e capace di catalizzare la mia ricerca. È un tipo di connubio che con i mezzi di comunicazione a nostra disposizione oggi potrebbe potenzialmente essere sviluppato da qualsiasi parte del globo, forse anche per questo ho scelto di ritornare nelle mie terre d’origine. Per quanto mi piaccia il movimento e lo stimolo della moltitudine, credo che la vita in città sia aggressiva e, alla lunga,  alienante. Avevo iniziato a sentirmi oppresso anche in una città piccola e divertente come Barcellona (anche per motivi sentimentali…). Sono cresciuto in un piccolo paese di mare. Il dinamismo per me è fondamentale, così come l’acqua, lo spazio, le brevi distanze. In questo momento sto scrivendo da una piccola casetta vicino a un bosco, che mi permette di avere un contatto quotidiano con la natura, oltre a offrirmi un banco di prova per certi esperimenti con piante, sculture nido etc. Un altro motivo forte che mi ha fatto tornare è il mio nuovo progetto artistico per il quale sapevo che qui avrei potuto muovermi meglio sia per la rete di lavoro (musicisti, videomaker, fotografi) che per gli elementi di investigazione (i ruderi ricolonizzati dalla natura). Il progetto si chiama Habitat e merita un approfondimento a parte. Tutto ciò premesso, non vedo l’ora di tornare a viaggiare di nuovo!

Barcellona è stata anche la città che ha riportato le influenze dei graffiti nel tuo lavoro e dove hai deciso di riportare le tue creazioni sui muri della strada. Qual è stato l’impulso? Perché hai scelto lo spazio pubblico come ambiente di lavoro ed espositivo?  

Come tutte le grandi scoperte e avventure, è iniziato tutto in modo casuale. Ci sono finito dentro come in un ballo euforico e trascinante. Una volta dentro, ho capito le sue potenzialità. Quella scena che aveva iniziato a chiamarsi Street Art era molto diversa da quello che è oggi e nella specificità di Barcellona, poi, era una condivisione esaltante e sperimentazione libera. È stato facile fare quella scelta, l’incontro con Pyu ex ONG Crew è stato il mio vettore d’immersione.

Lavorare nel mondo reale, nello spazio fisico, aveva (e continua ad avere) un senso sociale: ti permette di avere un incontro diretto con tipologie umane di fruizione tra le più disparate quindi non strettamente con gli “addetti ai lavori”. Era emozionante e aveva un potere comunicativo molto superiore; in più, ogni volta era (ed è) un’avventura che partiva dall’andare a fare e arrivava all’incontrare e condividere. Con il passare del tempo, lo spazio del reale e i suoi abitanti hanno assunto un ruolo sempre più importante nella mia poetica.

Ti descriveresti come urban artist o come land artist? Vedi una netta separazione tra le due cose? 

Osservando gli ultimi anni della passata decade, mi sono fatto l’idea che ci sia una sotto tendenza che vuole far convergere questi campi e io sento di far parte di questo movimento. Personalmente, già dalle mie prime produzioni più o meno selvagge nello spazio pubblico, ho cercato timidamente di ibridare il muralismo con l’installazione e poi la land art. Si tratta di pezzi che ho molto a cuore per il loro carattere coraggioso e un po’ irriverente ma che non sono purtroppo tra i più conosciuti nella mia produzione, forse anche per via della documentazione e diffusione non troppo accurata di quegli anni, ihih. Per esempio, mi viene in mente il progetto Cappix del 2006, le murate con i coriandoli o con parti consistenti che uscivano in terza dimensione dalla parete a volte generando spazi camminabili come quella del mitico INFART III, uno dei migliori festival a cui abbia a oggi partecipato. Da lì ho continuato a sperimentare questa ibridazione, seppure in maniera discontinua. Oggi per me il lato installativo/landartista, oltre ad avere la sua ragione estetica, ha sempre più la funzione di aiutarmi a generare degli spazi, dei micromondi, che possono essere utilizzati da altre specie come rifugio, sostentamento o fruite in altra maniera (soprattutto nei lavori all’interno della urbanità) per incrementare ulteriormente il senso del mio lavoro, che è quello della coesistenza e condivisione, dell’abbattimento della frontiera tra lo spazio umano e quello non umano.

Il tuo lavoro contiene sempre un’interpretazione allegorica e combina una varietà di influenze diverse come la cultura post umana, l’arte sacra, la zoologia e l’arte psichedelica. Quali sono le tue fonti di ispirazione? Ci sono altri artisti che ti ispirano?

Il tentativo di rispondere a questa domanda è sempre molto difficile per me. Sono tanto affascinato da maestri che investigano campi simili, quanto da altri le cui risposte e i cui campi totalmente opposti. Mi stimola molto il senso di assoluto e amorfo di Burri o dell’amico 108, quanto la poetica di Hundertwasser, la luce di Turner (che vorrei tanto rivedere di nuovo), i mondi di Hieronymus Bosch. Ho grande rispetto per il lavoro di Waone e Aek ex Interesni Kazki, il maestro Blu (forse primo contatto forte e stimolante con l’arte della strada nel 2000 durante il periodo di studi a Bologna). 

Quando si parla di fonti d’ispirazione, non posso non menzionare l’irresistibile fascino per l’arte rupestre di tutto il mondo e per ciò che essa rappresenta (ovvero un mondo in cui non c’era ancora distinzione fra animali, uomini, alberi, spiriti, un mondo animico dove gli esseri potevano trasformarsi e non si sapeva mai se si trattasse di un dio, una roccia o un essere umano). Penso anche ai monili di quel mondo fatti di materiali che appartengono alla terra, penso alle soluzioni dei popoli celti per i quali il bosco era casa e tempio e al mondo nomade primitivo ancestrale e alle forme del primitivismo. Primitivismo che diventa futuristico nei lavori di Tissue Culture and Art (seppur ho perso un po’ la loro pista ultimamente)… e ancora le forme e le forze delle architetture e le pitture dei luoghi di culto, i pozzi nuragici, i templi induisti, le chiese abbandonate, le cattedrali sontuose, fino ai disegni di sviluppatori di videogames sognanti come Another World o Journey, gli scritti di Gilles Clément e ovviamente la musica… la musica, sì la musica… ma questa è un’altra storia… fare musica mi manca, spero sempre di ricominciare… forse quest’anno ne avrò l’opportunità.

Con il tuo lavoro hai sperimentato e osservato, per più di un decennio, il complicato rapporto degli esseri umani con la terra. Quali sono le intuizioni che puoi condividere con noi? Qual è la tua personale visione del rapporto tra l’uomo e tra l’uomo e la biosfera?

Avverto che nell’era della globalizzazione che stiamo vivendo, il sistema è riuscito a inculcare gli stessi bisogni acquisitivi a tutti gli abitanti del pianeta, e lo ha fatto in maniera capillare, dal cittadino della megalopoli del “primo mondo” al nomade della savana. Allo stesso modo, la cultura popolare si è molto massificata con l’arma a doppio taglio dei social network che hanno fatto fluire molte informazioni là dove non sarebbero arrivate altrimenti, influenzando al contempo lo status symbol e la figura di vincente nella società, appiattendone i canoni, soprattutto nelle nuove generazioni in cui la forbice si apre sempre di più tra la super sensibilità magari introversa e totale superficialità. Lo sappiamo, la sete di comfort è ciò su cui si basa l’economia globale, e grava tanto sulle vecchie generazioni quanto sui millennials. Questo tsunami, a mio parere, ha investito tutto senza tenere conto dell’evoluzione specifica delle differenti società (sia per struttura che cultura). Il quadro generale è che si sta distruggendo per attingere, per creare e vendere oggetti che saranno abbandonati sulla terra come scorie. È come se nei diversi continenti si stesse vivendo in tempi “evolutivi” diversi che devono rapportarsi con le imposizioni del mercato che è come un livello superiore uguale per tutti. Questo crea ancora più squilibri, ma massifica i risultati. È triste vedere che rappresentanti di culture ancestrali diverse aspirino ad essere simili a emblemi di culture più giovani e basate sulla capitalizzazione, magari le stesse che le hanno colonizzate prima con le armi e poi con i beni di consumo (ricordo questa sensazione osservando un gruppo di ragazzi quando sono stato a dipingere a Painted Desert nella riserva Navajo in Arizona). Popoli che perdono le loro radici, la loro specificità… Le società che fino a ieri vivevano a stretto contatto con la natura e ne conoscevano i movimenti, per assurdo oggi sono tra le più inquinanti perché aspirano a divenire simili ai modelli imposti dall’economia globale e tendenzialmente non valutano/conoscono gli effetti della modalità “usa e getta” che ha già prosperato nel primo mondo, dove ha già avuto un’azione devastante.

Nel cosiddetto primo mondo, a livello popolare c’è molta sensibilità al discorso della sostenibilità ecologica, sebbene le grandi fabbriche di beni usino già oggi la bandiera del bio per lavare il proprio marchio e continuare a prosperare nelle logiche di sfruttamento globale. Un bene vegano oggi non è per forza sostenibile (se lo sapessero i pitagorici!); tuttavia, le nuove generazioni, seppur nella grande confusione di questo momento di passaggio evolutivo umano, sono in generale molto informate e attente e, anche se non sono tutti attivi, sono consapevoli di vivere in un mondo non più basato sulla logica di sfruttamento del pianeta come miniera infinita. Le cose stanno cambiando ma il tempo sta finendo. Sicuramente stiamo vivendo un momento che non ha precedenti nella storia dell’uomo. Per questo è necessaria un’azione forte, congiunta e immediata da parte di tutti; un cambio di paradigma da parte di chi finora ha deciso le sorti di tutti: il sistema capitalista. Il mio sogno è di recuperare l’integrazione con il Mondo Reale com’era nelle società pagane prima dell’avvento dei grandi monoteismi e delle loro gerarchie piramidali di stampo Platonico, con le conoscenze che abbiamo oggi in campo scientifico e filosofico.

HABITAT descrive “la casa o l’ambiente naturale di un animale, una pianta o un altro organismo” o “l’ambiente abituale o preferito di una persona”. Perché hai scelto questo nome per il tuo nuovo progetto, che si è evoluto dal tuo progetto collaterale e dalla tua ricerca personale ABITARE? Di cosa si tratta?

Per habitat si intende l’ambiente naturale di un animale, in questo caso l’habitat dell’animale homo, che da più di tre millenni è la città, e la sua tana la casa, l’edificio. Il mondo occidentale è pieno di costruzioni in stato di semiabbandono. Molto spesso, l’abbattimento e lo smaltimento degli stessi richiede l’impiego di risorse notevoli, quasi sempre non sostenibili da parte della proprietà sia pubblica che privata. Il risultato di queste lunghe attese è una riappropriazione graduale, da parte della Natura, di uno spazio che le apparteneva e che di fatto torna progressivamente ad essere popolato di esseri viventi diversi dall’essere umano. Obiettivo di HABITAT è l’indagine, lo studio e la ricerca formale di tale fenomeno, letto come processo artistico naturale.

HABITAT mira a descrivere una visione della vita nello spazio antropico dopo

la fine dell’antropocene. I campi di indagine partono da un’analisi estetica supportata da documentazione fotografica e video che è continua nel tempo e non si arresta nel momento dell’intervento artistico, ma procede in concomitanza con la crescita spontanea degli elementi faunistici e vegetativi. L’intervento artistico è concepito come un piccolo segno di colore oro per sottolineare ed esaltare il carattere magico e sublime (di cui il colore oro è simbolo) del ready-made realizzato dalla stessa Natura.


Rimini, Italia

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Immagini © GOLA HUNDUN


Febbraio 2021