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Interview with Turin based street artist Morb:

Street art, I would dare say, has a more collective impact. It brings people together and detaches them from their lives; it alienates them for a few moments; it immerses them in a dimension that is different from the ordinary one.

What’s behind the name Morb Art? Can you tell us more about yourself and your artistic background?

The name Morb is a diminutive of a nickname I had as a kid, which I then adopted as a tag in the early 2000s. At that time I was active as a graffiti writer in the hills of Modena, and it is in that period when part of my artistic expression today originated – from the world of graffiti, underground culture, and the American music scene.

How did you come in contact with street art and graffiti? What was the impulse to place your works in public spaces?

As I said, I was very fascinated by a culture so far away, such as the U.S., when arriving in Italy, and how it contaminated cities with a note of color that they did not have before. Maybe this artistic expression, rebellious and out of the box, captured me so much that I ended up being part of it. This was probably, at that time, what brought me closer than anything else to street art or, better to say, graffiti. 

Now, years later, things have changed. The increased tolerance and evolution of this culture have given anyone the opportunity to enjoy art, even without having to go to a museum. I, for example, don’t paint on walls like I used to but instead create urban installations. 

How would you define “urban art”?

Within everyone’s reach. There are works that are more or less simple to understand, but that has always happened in art.

“Art as a vehicle of the human touch, on the actual world.” Is this how you would describe what drives you to be creative? What relationship do you want to create with the viewers of your works? 

Art is my expressive vehicle, through which I try not only to express my feelings but also to show what happens in the world. I analyze people and their behaviors a lot. Recently, in my latest series of works, “Modern Eternity’s,” I try to fully involve the viewer, making them connect with the subject of the work itself. The aim is to make the work more dynamic, creating a very personal experience for those who, by observing it, can contrast it with their own reflected and distorted image. 

Your art focuses on themes such as the destruction of reality, human genesis, denunciation for consumerism and animal abuse as well as faith, religion and divine – work as “a vehicle of mutations and metamorphoses of reality”. What are your sources of inspiration? Are there other (street) artists who influence you?

I think I draw inspiration from the reality around me, which is constantly evolving. We are bombarded with information, images, and feelings, which trigger a kind of connection with a more visceral and less tangible, more intimate, and personal world. As is evident in my art, I am very attracted to the female figure, which comprises almost 100% of my artistic expression. It is her, in her beauty and elegance, the muse, so complicated to understand and the expressive vehicle of mutations and metamorphoses of reality.

I love photography very much, especially when related to fashion, and I like photographers who deal with it. In many of my works from 2020 I have used the subjects photographed by Peter Lindberg, recreating a different reality from the one originally captured and contrasting them with urban art. 

I have been following the duo Pichiavo for some time, which I love very much both for their works and for the change they have imprinted on the image of street art. I really like African Ginger, an American artist who blends painting and digital art. Others that I could say influence my art are David Lynch, Daniel Arsham, Reederone, Axel Void, Feral_kid, Isaac Cordal, John Washington, and many others.

You are very versatile and create art from canvases, installations, and collages over sculptures, and from photography to street art. Are you still looking for your final medium of expression, or is it the diversity that attracts you? 

The beauty of art is that it basically has no real limitation. So, for me, it’s nice to be able to do it, in all these mediums, so I don’t have to limit my creativity. 

Besides art, you also make your own canvases from recycled wood, in an artisan way, with attention to detail, creating unique pieces and giving them a second life. What significance do recycling and sustainability have for you, in general and in your artistic practice?

Nowadays, people are more careful about the environment; they have realized that the impact of man on the ecosystem of the planet is very strong. I think that if we all, in our own small way, try to do our part, together we could make a difference. We would inhabit, in short, a better planet. It is from this and other reflections that “Hope Crisis” was born: a series of urban installations aimed at making people think about this very important aspect. Basically, it is an attempt to make life more sustainable, and that is why the materials I work with are recycled. Through my work I try to have a minimal impact on the planet, as happens in my personal life.

Can you describe your techniques and process of working? Do your works arise in a planned way or out of spontaneity? 

My works, as you said, are very different from each other, as are the techniques I use. What they have in common, however, is the recovery factor. Their creation takes place in a spontaneous way, which explains the variety. The canvases I use are always made of wood and have no real standard. 

In 2020 I found myself working on a small batch, because they were made from recycled material, while now the dimensions are the opposite. Technically I prefer “mixed media” because I feel freer in the combinations, and I work in a manual way from start to finish of the process. However, I am still tied to spray paint, which I often use to give my works an urban feel. I don’t disdain technology, as it has been in my background for years. I’ve worked a lot and created a lot of album covers and music EPs, and at the moment, in my latest creations, I’m trying to enhance these techniques. Now I’m working using a smartphone, without any retouching apps, to analyze the difference in the visual relationship between the human eye and the artificial one, but also the different sensations that are created when you look at a work of art.

You are not only active on the street, but you also transfer the style of street art onto canvases – “the effect is just as direct and controversial” as you say yourself. What is your opinion on the discourse that urban art must remain free and public? Or do you think a wider recognition of the street art movement by the traditional art market is long overdue?

I believe that urban art lives a life of its own, because those who create it are part of the social fabric; they face daily problems, they clash and rebel. Certainly, urban art will continue to move in parallel with traditional art, as it has done so far. However, there are now galleries that deal with street art and street artists, so there is a desire for recognition. I believe that urban art will continue on its way, or rather in its streets, in the middle of the city and beyond. I have found myself doing installations overlooking the sea or in the middle of a forest. Urban art and traditional art are definitely connected, and the recognition of this movement is now evident and accepted, while once the juxtaposition was despised. 

Street art now has as its task the valorization of the territory. There are spray paints that purify the air of daily pollution, and it’s an art that I would dare say has a more collective impact. It brings people together and detaches them from their lives; it alienates them for a few moments; it immerses them in a dimension that is different from the ordinary one. This is exactly what happens in museums with more traditional art, so to speak. So I think at the end of the day they are one and the same.

Hope Crisis – 13039  I Art Project and Concept by Morb I Photography by Massimiliano Sticca I Videography by Giovanni Bottisio

Your new “Hope Crisis” series is the result of five years of research that was only recently made public. You describe it as “the materialization of human belief, in the form of a votive figure, that raises issues related to environmental pollution with the purpose of providing hope for a better future.” What is this series about? How did you develop it and what does it contain?

As in life, there are natural, evolutionary, and growing paths in my art. “Hope Crisis” was born in a period of change both personally and artistically. It is the materialization of human beliefs: its symbol of faith, in fact, is a kind of wax Madonna dislocated and placed in abandoned former votive shrines or deteriorating places such as chapels or churches. We often find ourselves walking, and during our journeys we come across such places. Maybe it’s because industrial archaeology has always attracted me, but maybe I can make people ask questions when they see such emotionally strong works. Why is there a sort of little Madonnina with a half body made of metal? Why is it here? What does it mean?

Curiosity drives us to search for answers, places, ourselves, a better future. “Hope Crisis” is a search that comes from hope, in faith or in ourselves, in the world – it doesn’t matter. It is a disguised message that makes us hope for a better future. Reflections make us grow, and with them, we can discover new things every day. I hope that with its messages “Hope Crisis” succeeds in raising awareness. 

The first urban installation was placed in the city where I live, a very fascinating and meaningful place but with the sad record of being the most polluted city in Europe in the last ten years (at least until 2019). This explains why this figure, half wax and half metal, is completely gray. Turin, in the Italian imagination, is the city of Fiat, an industrial city (hence the use of metal in the installation), a city with its own tone of gray (Turin gray), but also magical. 

Therefore, it wasn’t a random choice to start a series that has faith as its background in a place defined as esoteric, important for white magic, worldwide. The name of the installation is 10131, which is the ZIP code (Codice di Avviamento Postale) of the place where it is placed, the area around the Gran Madre di Dio, the church symbol of the city, right in the center.

“Hope Crisis” is a project that embodies a new concept of street art for you. Can you explain in more detail what you mean by this?

As mentioned, “Hope Crisis” is the result of a long journey. Street art has been part of the global art scene for many years now, and for me this series is an active part of this movement, but embodying it in a different way. Its themes analyze the most intimate aspect of humans, a less tangible aspect. To represent this, it would not have been enough for me to have a huge painting on a wall; the opposite was needed: a smaller object to be touched, to be placed on the same level as the viewer, whose fragility it shares. 

These installations are opposed to the dogmas and ideologies of the church, which make the human being feel small. Just think of the effect that the majesty of St. Peter’s Basilica has on us. So I wanted to create something diametrically opposed, almost as if the faith and its symbol had been vandalized and marked by time. For this reason, the installation 10123 is placed in an abandoned chapel; like the place that hosts it, the statue created is also completely graffitied. It took some time to choose the right place for the installation and have it connected with the work itself.

Hope Crisis – 10123 

There was a moment during the installation of the work 13039 in Turin, Italy, where a unique connection was made with the surrounding place. Besides being in a chapel, we were immersed in the nature of the rice fields, completely enveloped in the color gold. There I realized that it wouldn’t be enough to just place the installation and go. I had to transport that feeling that had pervaded us, to transmit what was happening, so I gave it a note of color that would remind us of the gold of the sunset over these rice fields. After that installation, the subsequent ones began to be more in line with their surroundings, and the processes of realization changed. 

In the installation 10054 in Valle Argentera, located in the middle of a forest, a place where there used to be a glacier, the votive figure has half animal features – the head is that of a polar bear. I adopted these features to symbolize the melting of the glaciers; in addition, I used fire to melt the wax and made stylized iceberg drawings on the exterior walls of this small votive shrine to add strength to the context itself. 

Each installation of the series has a serigraph tag that makes it recognizable and unique, just like the message it carries. For example, 17024 is located in Liguria, overlooking the sea. Like the previous one, it has a peculiarity too: the upper part, the head of the female figure, is made from a plastic bottle and is wrapped in nets. Facing the sea, only the back is visible, in the hope that whoever looks at it will realize that she is concerned about maritime pollution. I think it is partly the combination of these themes, as well as the fact that they are urban installations, that makes this concept of street art different for me, and able to call it new.

Hope Crisis – 13039

Hope Crisis – 10054

Hope Crisis – 10054  I Art Project and Concept: Morb I Filmmaker: Sara Ceci I Photographer: Massimiliano Sticca

Hope Crisis – 17024

Alongside your love for painting and drawing, which now “represent an ideological part of your life,” you are also passionate about poetry and music. What can you tell us about these areas of your artistic practice? Is the music in your “Hope Crisis” videos also made by you?

Yes, these have always been some of my strongest passions. When I was young, I published a collection of bilingual poems titled “Attimi fugiti dal vento,” but like Rimbaud, whose writing fascinated me so much, I later abandoned the practice, dedicating myself more to music and art, which are now the protagonists of my life. I personally produced the tracks that are the soundtrack to the videos of “Hope Crisis,” which proves the bond that I have established with these passions. I love music so much, in its various genres, but I only produce electronic music, which I love to listen to on vinyl, playing and mixing it.

What’s next for you? What do you have planned for this year (or as soon as coronavirus allows)? 

I don’t want to make any predictions about what the future holds for me; I only know that I will continue to move forward on my path. This year I finally managed to merge my passions, art and music, two worlds that went hand in hand and now become one.

“Art Connection,” a current project, was born with the idea of linking art and music, through street wear. For this reason I developed a limited series of original Vintage Levi’s jackets with a real canvas applied to them. In this way you can wear art, in the true sense of the word, changing canvas whenever you want. There are three cities that inspired this project – Milan, Berlin, and London – and in each of them a collaboration with an internationally renowned DJ has been established to represent them best. By purchasing a piece of this series you will actively support the music scene, currently in great difficulty. In the package there is a vinyl chosen personally by the DJs who collaborated with me for this project. 

Also, in regard to “Hope Crisis,” there are plans for national and international collaborations to bring the project around Europe. I can only say that I will remain very active, and I will continue to have people at my side who support me and make sure that my work continues to grow and reach as many people as possible; this is also possible thanks to you and to this interview. 


Turin, Italy



Facebook morb.gurbowicz


Photographer I

Videographer heppinoise I

Videographer Giovanni Bottisio I 



Pictures © Morb


April 2021

by Laura Vetter

Interview mit dem Turiner Street Artist MORB:

Street Art ist eine Kunst, von der ich behaupten würde, dass sie eine stärkere kollektive Wirkung hat. Sie bringt die Menschen zusammen und löst sie aus ihrem Leben; sie entfremdet sie für ein paar Momente; sie lässt sie in eine Dimension eintauchen, die sich von der gewöhnlichen unterscheidet.

Was verbirgt sich hinter dem Namen Morb Art? Kannst du uns mehr über dich und deinen künstlerischen Background erzählen?

Der Name Morb ist eine Verkleinerungsform eines Spitznamens, den ich als Kind hatte und den ich dann in den frühen 2000er Jahren als Tag adoptiert habe. Zu dieser Zeit war ich als Graffiti-Writer in den Hügeln von Modena aktiv, und aus dieser Zeit stammt ein Teil meines heutigen künstlerischen Ausdrucks – aus der Welt des Graffiti, der Untergrundkultur und der amerikanischen Musikszene.

Wie bist du in Kontakt mit Street Art und Graffiti gekommen? Was war der Anstoß, deine Werke im öffentlichen Raum zu präsentieren?

Wie ich schon sagte, war ich sehr fasziniert von einer so weit entfernten Kultur wie der amerikanischen, die, als sie in Italien ankam, die Städte mit einer Note von Farbe kontaminierte, die sie vorher nicht hatten. Wahrscheinlich hat mich dieser künstlerische Ausdruck, rebellisch und aus der Reihe tanzend, so sehr gefangen genommen, dass ich am Ende ein Teil davon wurde. Das war es wohl auch, was mich damals näher als alles andere zur Street Art oder besser gesagt zu Graffiti brachte. 

Jetzt, Jahre später, haben sich die Dinge geändert. Die gestiegene Toleranz und die Entwicklung dieser Kultur haben jedem die Möglichkeit gegeben, Kunst zu genießen, auch ohne in ein Museum gehen zu müssen. Ich, zum Beispiel, male nicht mehr wie früher auf Wände, sondern schaffe urbane Installationen.

Wie würdest du “urbane Kunst” definieren?

Innerhalb jedermanns Reichweite. Es gibt Werke, die mehr oder weniger einfach zu verstehen sind, aber das war in der Kunst schon immer so.

“Kunst als ein Vehikel der menschlichen Begegnung mit der tatsächlichen Welt.” Würdest du so beschreiben, was dich antreibt, kreativ zu sein? Welche Beziehung möchtest du zu den Betrachtern deiner Werke herstellen?

Kunst ist mein Ausdrucksmittel, durch das ich nicht nur versuche, meine Gefühle auszudrücken, sondern auch zu zeigen, was in der Welt passiert. Ich analysiere die Menschen und ihre Verhaltensweisen sehr oft. In meiner neuesten Werkserie “Modern Eternities” versuche ich, den Betrachter vollständig einzubeziehen und ihn mit dem Thema des Werkes selbst zu verbinden. Das Ziel ist es, das Werk dynamischer zu machen und eine sehr persönliche Erfahrung für diejenigen zu schaffen, die es beim Betrachten mit ihrem eigenen reflektierten und verzerrten Bild kontrastieren können.

Deine Kunst konzentriert sich auf Themen wie die Destruktion der Realität, die menschliche Genesis, die Anprangerung von Konsumismus und Tiermissbrauch sowie Glaube, Religion und das Göttliche – Arbeiten als “ein Vehikel der Mutationen und Metamorphosen der Realität”. Was sind deine Quellen der Inspiration? Gibt es andere (urbane) Künstler, die dich beeinflussen?

Ich denke, ich lasse mich von der Realität um mich herum inspirieren, die sich ständig weiterentwickelt. Wir werden mit Informationen, Bildern und Gefühlen bombardiert, die eine Art von Verbindung mit einer viszeralen und weniger greifbaren, intimeren und persönlichen Welt auslösen. Wie in meiner Kunst ersichtlich, fühle ich mich sehr von der weiblichen Figur angezogen, die fast 100% meines künstlerischen Ausdrucks ausmacht. Sie ist es, in ihrer Schönheit und Eleganz, die Muse, die so kompliziert zu verstehen ist und das ausdrucksstarke Vehikel der Mutationen und Metamorphosen der Realität darstellt.

Ich liebe die Fotografie sehr, besonders wenn sie mit Mode zu tun hat, und ich mag Fotografen, die sich damit beschäftigen. In vielen meiner Arbeiten aus dem Jahr 2020 habe ich die von Peter Lindberg fotografierten Sujets verwendet, um eine andere Realität als die ursprünglich eingefangene zu erschaffen und sie mit Urban Art zu kontrastieren. 

Seit einiger Zeit verfolge ich das Duo Pichiavo, das ich sowohl für ihre Arbeiten als auch für den Wandel, mit dem sie das Bild der Street Art geprägt haben, sehr schätze. Ich mag African Ginger sehr, eine amerikanische Künstlerin, die Malerei und digitale Kunst miteinander verbindet. Andere, von denen ich sagen könnte, dass sie meine Kunst beeinflussen, sind David Lynch, Daniel Arsham, Reederone, Axel Void, Feral_kid, Isaac Cordal, John Washington, und viele andere.

Du bist sehr vielseitig und kreierst Kunst von Leinwänden, Installationen und Collagen über Skulpturen und Fotografie bis hin zu Street Art. Bist du noch auf der Suche nach deinem endgültigen Ausdrucksmittel, oder ist es die Vielfalt, die dich reizt?

Das Schöne an der Kunst ist, dass sie im Grunde keine wirkliche Begrenzung hat. Für mich ist es also toll, mich in all diesen Medien ausleben zu können, sodass ich meine Kreativität nicht einschränken muss.

Neben der Kunst stellst du auch deine eigenen Leinwände aus recyceltem Holz her, auf kunsthandwerkliche Weise und mit Liebe zum Detail, um einzigartige Stücke zu schaffen und ihnen ein zweites Leben zu geben. Welche Bedeutung haben Recycling und Nachhaltigkeit für dich, im Allgemeinen und in deiner künstlerischen Praxis?

Heutzutage achten die Menschen mehr auf die Umwelt; sie haben erkannt, dass der Einfluss des Menschen auf das Ökosystem des Planeten sehr stark ist. Ich denke, wenn wir alle auf unsere eigene kleine Art und Weise versuchen, unseren Teil dazu beizutragen, könnten wir gemeinsam einen Unterschied machen. Wir würden, kurz gesagt, einen besseren Planeten bewohnen. Aus diesen und anderen Überlegungen heraus ist “Hope Crisis” entstanden: eine Serie von urbanen Installationen, die darauf abzielt, die Menschen zum Nachdenken über diesen sehr wichtigen Aspekt zu bringen. Im Grunde ist es ein Versuch, das Leben nachhaltiger zu gestalten, und deshalb sind die Materialien, mit denen ich arbeite, recycelt. Durch meine Arbeit versuche ich, einen minimalen Einfluss auf den Planeten zu haben, wie es auch in meinem persönlichen Leben geschieht.

Kannst du deine Techniken und deinen Schaffensprozess beschreiben? Entstehen deine Werke geplant oder eher aus Spontanität heraus? 

Meine Arbeiten sind, wie du schon sagtest, sehr unterschiedlich, genauso wie die Techniken, die ich verwende. Was sie jedoch gemeinsam haben, ist der Erholungsfaktor. Ihre Entstehung erfolgt auf eine spontane Art und Weise, was die Vielfalt erklärt. Die Leinwände, die ich verwende, sind immer aus Holz und haben keinen wirklichen Standard. 

Im Jahr 2020 habe ich an einer Serie in kleinen Formaten gearbeitet, die aus recyceltem Material hergestellt wurde, während die Dimensionen jetzt das Gegenteil sind. Technisch gesehen bevorzuge ich “mixed media”, weil ich mich freier in den Kombinationen fühle und von Anfang bis Ende des Prozesses manuell arbeite. Allerdings bleibe ich weiterhin Sprayfarben treu, die ich oft verwende, um meinen Werken ein urbanes Feeling zu verleihen. Ich lehne auch Technologie nicht ab, da sie seit Jahren zu meinem Hintergrund gehört. Ich habe viel gearbeitet und eine Menge Albumcover und Musik-EPs erstellt, und im Moment, in meinen neuesten Kreationen, versuche ich diese Techniken zu verbessern. Aktuell arbeite ich mit einem Smartphone, ohne Retuschier-Apps, um den Unterschied in der visuellen Beziehung zwischen dem menschlichen und dem künstlichen Auge zu analysieren, aber auch die unterschiedlichen Empfindungen, die beim Betrachten eines Kunstwerks entstehen.

Du bist nicht nur auf der Straße aktiv, sondern überträgst den Stil der Street Art auch auf Leinwände – “die Wirkung ist genauso direkt wie kontrovers”, wie du selbst sagst. Was ist deine Meinung zu dem Diskurs, dass urbane Kunst frei und öffentlich bleiben muss? Oder denkst du, dass eine breitere Anerkennung der Street Art Bewegung durch den traditionellen Kunstmarkt längst überfällig ist?

Ich glaube, dass urbane Kunst ein Eigenleben führt, weil diejenigen, die sie schaffen, Teil des sozialen Gefüges sind; sie sind mit täglichen Problemen konfrontiert, sie prallen aufeinander und rebellieren. Sicherlich wird sich die urbane Kunst weiterhin parallel zur traditionellen Kunst bewegen, wie sie es bisher getan hat. Allerdings gibt es mittlerweile Galerien, die sich mit Street Art und urbanen Künstlern beschäftigen, es gibt also ein Verlangen nach Anerkennung. Ich glaube, dass die urbane Kunst ihren Weg fortsetzen wird, oder besser gesagt, in ihren Straßen, mitten in der Stadt und darüber hinaus. Auch ich habe bereits Installationen mit Blick auf das Meer oder mitten im Wald gemacht. Urbane Kunst und traditionelle Kunst sind definitiv miteinander verbunden, und die Anerkennung dieser Bewegung ist nun offensichtlich und akzeptiert, während früher die Gegenüberstellung verachtet wurde. 

Street Art hat nun die Aufwertung des Territoriums zur Aufgabe. Es gibt Sprühfarben, die die Luft von der täglichen Verschmutzung reinigen, und es ist eine Kunst, von der ich behaupten würde, dass sie eine stärkere kollektive Wirkung hat. Sie bringt die Menschen zusammen und löst sie aus ihrem Leben; sie entfremdet sie für ein paar Momente; sie lässt sie in eine Dimension eintauchen, die sich von der gewöhnlichen unterscheidet. Das ist genau das, was in Museen mit traditionellerer Kunst passiert, sozusagen. Ich denke also, am Ende des Tages sind sie ein und dasselbe.

Hope Crisis – 13039  I Projekt und Konzept von Morb I Fotografie von Massimiliano Sticca I Videografie von Giovanni Bottisio

Deine neue “Hope Crisis” Serie ist das Ergebnis von fünf Jahren Recherche, die du erst kürzlich veröffentlicht hast. Du beschreibst sie als “die Materialisierung des menschlichen Glaubens, in Form einer Votivfigur, die Fragen der Umweltbelastung aufwirft, mit dem Ziel, Hoffnung auf eine bessere Zukunft zu geben.” Worum geht es in dieser Serie? Wie ist sie entstanden und was beinhaltet sie?

Wie im Leben, gibt es auch in meiner Kunst natürliche, evolutionäre und immer weiter wachsende Wege. “Hope Crisis” ist in einer Zeit der Veränderung entstanden, sowohl persönlich als auch künstlerisch. Es ist die Materialisierung des menschlichen Glaubens: Das Symbol des Glaubens ist in der Tat eine Art Wachsmadonna, die umpositioniert und in verlassenen ehemaligen Votivschreinen oder verfallenden Orten wie Kapellen oder Kirchen platziert wurde. Wir sind oft zu Fuß unterwegs und stoßen bei unseren Reisen auf solche Orte. Vielleicht liegt es daran, dass mich die Industriearchäologie schon immer angezogen hat, und vielleicht kann ich die Menschen auch dazu bringen, Fragen zu stellen, wenn sie auf solche emotional starken Werke treffen. Warum steht hier eine Art kleine Madonnina mit einem halben Körper aus Metall? Warum ist sie hier? Was bedeutet sie?

Die Neugierde treibt uns an, nach Antworten zu suchen, nach Orten, nach uns selbst, nach einer besseren Zukunft. “Hope Crisis” ist eine Suche, die von der Hoffnung kommt, in den Glauben oder in uns selbst, in die Welt – es spielt keine Rolle. Es ist eine verkappte Botschaft, die uns auf eine bessere Zukunft hoffen lässt. Reflexionen lassen uns wachsen, und mit ihnen können wir jeden Tag neue Dinge entdecken. Ich hoffe, dass es “Hope Crisis” mit seinen Botschaften gelingt, Bewusstsein zu schaffen. 

Die erste urbane Installation wurde in der Stadt platziert, in der ich lebe, ein sehr faszinierender und bedeutungsvoller Ort, aber mit dem traurigen Rekord, die am stärksten verschmutzte Stadt in Europa in den letzten zehn Jahren zu sein (zumindest bis 2019). Das erklärt, warum diese Figur, halb Wachs und halb Metall, komplett grau ist. Turin ist in der italienischen Vorstellung die Stadt von Fiat, eine Industriestadt (daher die Verwendung von Metall in der Installation), eine Stadt mit einem eigenen Grauton (Turin grau), aber auch magisch. 

Daher war es keine zufällige Wahl, eine Serie zu starten, die den Glauben als Hintergrund hat, an einem Ort, der als esoterisch definiert wird, als wichtig für die weiße Magie, weltweit. Der Name der Installation ist 10131, was die Postleitzahl des Ortes ist, an dem sie platziert ist, das Gebiet um die Gran Madre di Dio, das Kirchensymbol der Stadt, genau im Zentrum.

“Hope Crisis” ist ein Projekt, das für dich ein neues Konzept von Street Art verkörpert. Kannst du genauer erklären, was du damit meinst?

Wie bereits erwähnt, ist “Hope Crisis” das Ergebnis einer langen Reise. Street Art ist schon seit vielen Jahren Teil der globalen Kunstszene, und für mich ist diese Serie ein aktiver Teil dieser Bewegung, verkörpert sie aber auf eine andere Art und Weise. Ihre Themen analysieren den intimsten Aspekt des Menschen, einen weniger greifbaren Aspekt. Um dies darzustellen, hätte mir ein riesiges Gemälde an der Wand nicht gereicht; es brauchte das Gegenteil: ein kleineres Objekt zum Anfassen, das auf die gleiche Ebene wie der Betrachter gestellt wird, dessen Zerbrechlichkeit es teilt. 

Diese Installationen stehen im Gegensatz zu den Dogmen und Ideologien der Kirche, die den Menschen klein werden lassen. Man denke nur an die Wirkung, die die Majestät des Petersdoms auf uns hat. Ich wollte also etwas diametral Gegensätzliches schaffen, fast so, als ob der Glaube und sein Symbol von der Zeit vandalisiert und gezeichnet worden wären. Aus diesem Grund befindet sich die Installation 10123 in einer verlassenen Kapelle; wie der Ort, der sie beherbergt, ist auch die geschaffene Statue komplett mit Graffiti versehen. Es hat einige Zeit gedauert, den richtigen Ort für die Installation zu wählen und ihn mit dem Werk selbst in Verbindung zu bringen.

Hope Crisis – 10123 

Es gab einen Moment während der Installation des Werkes 13039 in Turin, Italien, wo eine einzigartige Verbindung mit dem umgebenden Ort hergestellt wurde: Abgesehen davon, dass wir uns in einer Kapelle befanden, waren wir umgeben von Natur und Reisfeldern, die komplett in eine goldene Farbe getaucht waren. Dort wurde mir klar, dass es nicht ausreichen würde, die Installation einfach zu platzieren und zu gehen. Ich musste dieses Gefühl, das uns durchdrungen hatte, transportieren, um das Geschehen zu übermitteln, also gab ich ihr eine Farbnote, die uns an das Gold des Sonnenuntergangs über diesen Reisfeldern erinnern würde. Nach dieser Installation begannen die darauffolgenden, sich mehr an die Umgebung anzupassen, und die Prozesse der Umsetzung veränderten sich. 

In der Installation 10054 in Valle Argentera, die mitten im Wald steht, einem Ort, an dem es früher einen Gletscher gab, hat die Votivfigur halb tierische Züge – der Kopf ist der eines Eisbären. Ich habe diese Merkmale übernommen, um das Schmelzen der Gletscher zu symbolisieren; außerdem habe ich Feuer verwendet, um das Wachs zu schmelzen und die Außenwände kleinen Votivschreins mit stilisierten Eisberg-Zeichnungen versehen, um dem Kontext selbst Kraft zu verleihen. 

Jede Installation der Serie hat ein Serigrafie-Tag, das sie erkennbar und einzigartig macht, genau wie die Botschaft, die sie trägt. Zum Beispiel befindet sich 17024 in Ligurien, mit Blick auf das Meer. Auch sie hat eine Besonderheit: der obere Teil, der Kopf der weiblichen Figur, besteht aus einer Plastikflasche und ist in Netze eingewickelt. Dem Meer zugewandt ist nur der Rücken zu sehen, in der Hoffnung, dass derjenige, der sie ansieht, erkennt, dass sie sich Gedanken über die Verschmutzung der Meere macht. Ich denke, es ist zum Teil die Kombination dieser Themen, sowie die Tatsache, dass es sich um urbane Installationen handelt, die das Konzept von Street Art für mich anders und neuartig machen.

Hope Crisis – 13039

Hope Crisis – 10054

Hope Crisis – 10054  I Prokekt und Konzept: Morb I Videografie: Sara Ceci I Fotografie: Massimiliano Sticca

Hope Crisis – 17024

Neben deiner Liebe zur Malerei und Zeichnung, die nun “einen ideologischen Teil deines Lebens darstellen”, begeisterst du dich auch für Poesie und Musik. Was kannst du uns über diese Bereiche deiner künstlerischen Praxis erzählen? Ist die Musik in deinen “Hope Crisis” Videos auch von dir?

Ja, das waren schon immer einige meiner größten Leidenschaften. Als ich jung war, veröffentlichte ich eine Sammlung von zweisprachigen Gedichten mit dem Titel “Attimi fugiti dal vento”, aber wie Rimbaud, dessen Schreiben mich so sehr faszinierte, gab ich diese Praxis später auf und widmete mich mehr der Musik und der Kunst, die nun die Protagonisten meines Lebens sind. Ich habe persönlich die Tracks produziert, die den Soundtrack zu den Videos von “Hope Crisis” bilden, was die Verbindung unterstreicht, die ich zwischen diesen Leidenschaften hergestellt habe. Ich liebe Musik in all ihren verschiedenen Genres sehr, aber ich produziere nur elektronische Musik, die ich gerne auf Vinyl höre, spiele und mixe.

Was steht bei dir als Nächstes an? Was hast du für dieses Jahr geplant (oder sobald es der Coronavirus erlaubt)? 

Ich möchte keine Vorhersagen darüber machen, was die Zukunft für mich bereithält; ich weiß nur, dass ich auf meinem Weg weiter voranschreiten werde. Dieses Jahr habe ich es endlich geschafft, meine Leidenschaften, Kunst und Musik, zu verschmelzen, zwei Welten, die Hand in Hand gingen und nun eins werden.

“Art Connection”, ein aktuelles Projekt, wurde mit der Idee geboren, Kunst und Musik durch Streetwear zu verknüpfen. Aus diesem Grund habe ich eine limitierte Serie von originalen Vintage Levi’s Jacken mit einer echten Leinwand darauf entworfen. Auf diese Weise kannst du Kunst tragen, im wahrsten Sinne des Wortes, indem du die Leinwand wechselst, wann immer du willst. Es gibt drei Städte, die dieses Projekt inspiriert haben – Mailand, Berlin und London – und in jeder von ihnen wurde eine Kollaboration mit einem international bekannten DJ etabliert, der sie am besten repräsentiert. Mit dem Kauf eines Stücks dieser Serie unterstützt du aktiv die Musikszene, die sich derzeit in großen Schwierigkeiten befindet. Im Paket befindet sich ein Vinyl, das von den DJs, die mit mir für dieses Projekt zusammengearbeitet haben, persönlich ausgewählt wurde. 

Außerdem gibt es in Bezug auf “Hope Crisis” Pläne für nationale und internationale Kollaborationen, um das Projekt europaweit voranzubringen. Ich kann nur sagen, dass ich weiterhin sehr aktiv bleiben werde und ich werde weiterhin Menschen an meiner Seite haben, die mich unterstützen und dafür sorgen, dass meine Arbeit weiter wächst und so viele Menschen wie möglich erreicht; dies ist auch dank dir und diesem Interview möglich.


Turin, Italien



Facebook morb.gurbowicz


Fotograf I

Videografin heppinoise I

Videograf Giovanni Bottisio I 



Bilder © Morb


April 2021

by Laura Vetter

Intervista con l’artista di strada torinese Morb:

La street art è un arte che oserei dire ha un impatto più collettivo. Avvicina le persone e le distacca dalla loro vita, le aliena per qualche istante, le immerge in una dimensione diversa da quella ordinaria.

Cosa c’è dietro il nome Morb Art? Puoi dirci di più su di te e sul tuo background artistico?

Morb è il diminutivo di un soprannome che avevo da ragazzino e che poi, all’inizio degli anni 2000, ho adottato come tag. In quel periodo ero attivo come writer nelle colline modenesi, ed è in quel periodo che origina parte della mia espressione artistica odierna. Dal mondo dei graffiti, dalla cultura underground e dalla scena musicale americana.

Come sei entrato in contatto con la street art e i graffiti? Qual è stato l’impulso a collocare le tue opere nello spazio pubblico?

Come ti dicevo, ero molto affascinato da una cultura così lontana, come quella statunitense, che, arrivando fino in italia, contaminava le città con una nota di colore che prima non avevano. Forse questa espressione artistica, ribelle e fuori dagli schemi, mi catturò così tanto da finire col farne parte. Fu questo probabilmente, a quel tempo, ciò che più di ogni altra cosa mi avvicinò alla street art o, per meglio, dire, ai graffiti. 

Adesso, dopo anni, le cose sono cambiate. L’accresciuta tolleranza e l’evoluzione di questa cultura hanno offerto a chiunque la possibilità di godersi l’arte, anche senza doversi recare in un museo. Io, ad esempio, non dipingo sui muri come un tempo ma creo installazioni urbane.

Come definiresti “l’arte urbana”?

Alla portata di tutti. Poi vi sono opere più o meno semplici da capire, ma quello accade da sempre nell’arte.

“L’arte come veicolo del tocco umano, sul mondo attuale”. È così che descriveresti ciò che ti spinge a essere creativo? Che rapporto vuoi creare con gli spettatori delle tue opere? Che reazione ti aspetti da loro?

L’arte è il mio veicolo espressivo, per mezzo del quale provo non solo a esternare le mie sensazioni ma anche a mostrare ciò che accade nel mondo. Analizzo molto l’uomo e i suoi comportamenti. Di recente, nella mia ultima serie di opere, “Modern Eternity’s”, cerco di coinvolgere appieno lo spettatore, facendolo entrare in connessione con il soggetto dell’opera stessa. Il tentativo è di rendere l’opera più dinamica, creando un’esperienza molto personale per chi, osservandola, può contrapporsi con la sua stessa immagine riflessa e distorta.

La tua arte si concentra su temi come la distruzione della realtà, la genesi umana, la denuncia del consumismo e l’abuso sugli animali, così come la fede, la religione e il divino. Mi riferisco a opere come “un veicolo di mutazioni e metamorfosi della realtà”. Quali sono le tue fonti di ispirazione? Ci sono altri artisti (urbani) che ti influenzano?

Credo di trarre ispirazione dalla realtà intorno a me, in continua evoluzione, bombardato di informazioni, immagini e sensazioni, che scatenano una sorta di connessione con un mondo più viscerale e meno tangibile, più intimo e personale. Com’è evidente nella mia arte, sono attratto molto dalla figura femminile, che totalizza quasi al 100% la mia espressione artistica. È lei, nella sua bellezza ed eleganza, la musa, così complicata da comprendere e veicolo espressivo di mutazioni e metamorfosi della realtà.

Amo molto la fotografia, in particolare quella legata alla moda, e mi piacciono i fotografi che se ne occupano. In molte mie opere del 2020 ho usato i soggetti fotografati da Peter Lindberg, ricreando una realtà diversa da quella catturata in origine e mettendo in contrapposizione su di essi l’arte urbana. 

Seguo da diverso tempo il duo Pichiavo, che amo moltissimo sia per le loro opere che per il cambiamento che hanno impresso all’immagine della street art. Mi piace molto il modo di esprimersi di African Ginger, artista americano che fonde la pittura e la digital art. Altri che potrei dire influenzino la mia arte sono David Lynch, Daniel Ashram, Reederone, Axel Void, Feral_kid, Isaac Cordal, John Washington e tanti altri.

Sei molto versatile e fai arte da tele, installazioni e collage oltre a sculture, fotografia e street art. Stai ancora cercando il tuo mezzo di espressione definitivo o è la diversità che ti attrae?

Il bello dell’arte è che fondamentalmente non possiede un vero e proprio limite. Per me quindi è bello poterla fare, con tutti questi mezzi, così da non dover limitare la mia creatività.

Oltre all’arte, realizzi le tue tele con legno riciclato, in modo artigianale e prestando attenzione ai dettagli, così da creare pezzi unici e dare loro una seconda vita. Che significato hanno per te il riciclaggio e la sostenibilità, in generale come nella pratica artistica?

Al giorno d’oggi la gente è più attenta all’ambiente, si è resa conto che l’impatto dell’uomo sul ecosistema del pianeta è molto forte. Penso che se tutti nel nostro piccolo provassimo a metterci del nostro, insieme potremmo fare la differenza. Abiteremmo, insomma, un pianeta migliore. È da questa e altre riflessioni che è nata“Hope Crisis”, una serie di installazioni urbane mirate a far riflettere le persone su questo aspetto così importante. In fondo è un tentativo di rendere la vita più sostenibile, ed è per questo che i materiali con i quali lavoro sono riciclati. Attraverso il mio lavoro cerco di avere un impatto minimo sul pianeta, così come accade nella mia vita personale.

Puoi descrivere le tue tecniche e il tuo processo di lavoro? Le tue opere nascono in modo pianificato o dalla spontaneità?

I miei lavori, come dicevi, si differenziano molto tra loro, così come le tecniche che impiego. Ad accomunarli c’è però il fattore recupero. La loro creazione avviene in maniera spontanea, eccone anche spiegata la varietà. Le tele che utilizzo sono sempre di legno e non hanno un vero e proprio standard. Nel 2020 mi sono ritrovato a lavorare su un lotto di piccole dimensioni, perché erano di recupero, mentre ora le dimensioni sono opposte.

Tecnicamente prediligo il “mixed media” perché mi sento più libero nelle combinazioni, e lavoro in maniera manuale dall’inizio alla fine del processo. Sono comunque ancora legato allo spray, che uso spesso per dare alle mie opere un’atmosfera urbana. Non disdegno la tecnologia, visto che già da anni è presente nel mio background. Ho lavorato molto e creato tantissime copertine per album ed ep di musica, e al momento, nelle mie ultime creazioni, sto cercando di valorizzare queste tecniche. Ora sto lavorando attraverso lo smartphone, senza alcuna app di ritocco, per analizzare la differenza esistente nel rapporto visivo tra l’occhio umano e quello artificiale, ma anche le diverse sensazioni che vengono a crearsi quando si guarda un’opera d’arte.

Non sei solo attivo in strada, ma trasferisci anche lo stile della street art sulle tele – “l’effetto è altrettanto diretto e controverso” come dici tu stesso. Qual è la tua opinione sul discorso che l’arte urbana deve rimanere libera e pubblica? O pensi che un più ampio riconoscimento del movimento dell’arte di strada da parte del mercato dell’arte tradizionale sia atteso da tempo?

L’arte urbana credo viva di vita propria, perché chi la crea fa parte del tessuto sociale, affronta i problemi quotidiani, si scontra e si ribella. Sicuramente l’arte urbana continuerà a muoversi in parallelo a quella tradizionale, come ha fatto finora. Ciò non toglie che ormai vi siano gallerie che si occupano di street art e street artist, quindi c’è voglia di riconoscimento. Credo che l’arte urbana continuerà per la sua strada, anzi nelle sue strade, in mezzo alla città e non. Io mi sono trovato a fare delle installazioni a picco sul mare o in mezzo a un bosco. Arte urbana e arte tradizionale sono sicuramente connesse, e il riconoscimento di questo movimento è ormai evidente e accettato, mentre un tempo l’accostamento veniva disprezzato.

La street art ormai ha come compito la valorizzazione del territorio. Ci sono vernici spray che purificano l’aria dall’inquinamento quotidiano, ed è un arte che oserei dire ha un impatto più collettivo. Avvicina le persone e le distacca dalla loro vita, le aliena per qualche istante, le immerge in una dimensione diversa da quella ordinaria. Esattamente ciò che accade nei musei con l’arte per così dire più tradizionale. Quindi credo che in fin dei conti siano una cosa sola.

Hope Crisis – 13039  I Progetto artistico e concetto di Morb I Fotografia di Massimiliano Sticca I Videografia di Giovanni Bottisio

La tua nuova Hope Crisis Series è il risultato di una ricerca durata cinque anni e resa pubblica solo recentemente. La descrivi come “la materializzazione della credenza umana, sotto forma di una figura votiva, che solleva questioni legate all’inquinamento ambientale con lo scopo di dare speranza per un futuro migliore”. Di cosa tratta questa serie? Come l’hai sviluppata e cosa contiene?

Come nella vita, anche nella mia arte vi sono dei percorsi naturali, evolutivi e di crescita. “Hope Crisis” è nata in un periodo di cambiamento sia personale che artistico. È la materializzazione delle credenze umane: il suo simbolo di fede, infatti, è una sorta di madonna in cera dislocata e posta in ex edicole votive abbandonate o in luoghi in deterioramento come cappelle o chiese. Spesso ci troviamo a camminare e durante il nostro percorso ci imbattiamo in luoghi del genere. Sarà che l’archeologia industriale mi ha sempre attirato, ma magari riesco a far porre delle domande a chi vede delle opere così forti a livello emotivo. Come mai c’è una sorta di madonnina con mezzo corpo di metallo? Perché è qui? Cosa vuol dire?

La curiosità ci spinge a cercare risposte, luoghi, noi stessi, un futuro migliore. Hope Crisis è una ricerca che nasce dalla speranza, nella fede o in noi stessi, nel mondo, non importa, è un messaggio camuffato che ci fa sperare in un futuro migliore. Le riflessioni ci fanno crescere, con esse riusciamo a scoprire cose nuove ogni giorno. Spero che con i suoi messaggi Hope Crisis riesca a sensibilizzare la gente. 

La prima installazione urbana è stata posta nella città in cui vivo, un luogo molto affascinante e ricco di significato ma col triste primato di essere la città più inquinata d’Europa negli ultimi 10 anni (almeno fino al 2019). Ciò spiega perché questa figura, metà di cera e metà di cristallo, sia completamente grigia. Torino, nell’immaginario Italiano, è la città della Fiat, città industriale (quindi l’uso del metallo nell’installazione), città con un suo tono di grigio, il grigio Torino, ma anche magica. 

Non è dunque casuale la scelta di iniziare una serie che ha la fede come sfondo in un luogo definito esoterico, importante per la magia bianca, a livello mondiale. Il nome dell’installazione è 10131, ossia il CAP (Codice di Avviamento Postale) del luogo nella quale è posta, i dintorni della Gran Madre di Dio, chiesa simbolo della città, in pieno centro.

Hope Crisis è un progetto che incarna un nuovo concetto di street art per te; puoi spiegare più in dettaglio cosa intendi con questo?

Come dicevamo, Hope Crisis è frutto di un lungo percorso. La street art ormai è presente da molti anni sulla scena mondiale, e per me questa serie fa parte attivamente di questo movimento, incarnandolo però in modo differente. Le sue tematiche analizzano l’aspetto più intimo dell’uomo, un aspetto meno tangibile. Per renderlo tale, non mi sarebbe bastato un enorme dipinto su un muro, ma l’opposto, un oggetto più piccolo da poter toccare con mano, da porre sullo stesso piano di chi lo guarda, al quale lo accomuna la fragilità. 

Queste installazioni si contrappongono ai dogmi e alle ideologie della chiesa, le quali fanno sentire piccolo l’essere umano. Basti pensare all’effetto che fa su di noi la maestosità di San Pietro. Ho così voluto creare qualcosa di diametralmente opposto, quasi come se ormai la fede e il suo simbolo fosse stato vandalizzato e segnato dal tempo. Per questo l’installazione 10123 è posta in una cappella abbandonata; come il luogo stesso che la ospita, anche la statua creata è completamente graffitata. C’è voluto del tempo per scegliere il luogo giusto per l’installazione e farlo connettere con l’opera stessa.

Hope Crisis – 10123 

C’è stato anche un momento, durante l’installazione a Torino, la 13039, in cui si è creata una connessione unica con il luogo che ci circondava. Oltre ad essere in una cappella, eravamo immersi nella natura delle risaie, avvolti completamente dal colore dell’oro. Lì ho capito che non sarebbe bastato porre l’installazione e andare. Dovevo trasportare quella sensazione che ci aveva pervaso, trasmettere ciò che stava succedendo, per cui ho dato una nota di colore che la ricordasse, l’oro del tramonto su questi campi di riso. Dopo quell’installazione, le successive hanno cominciato ad essere più in linea con ciò che le circonda, sono cambiati i processi di realizzazione. 

Nell’installazione 10054 in Valle Argentera, situata nel mezzo di un bosco, luogo dove prima era presente un ghiacciaio, la figura votiva ha delle sembianze per metà animali la testa è quella di un orso polare. Ho adottato queste fattezze per simboleggiare lo scioglimento dei ghiacciai; inoltre, ho usato il fuoco per fondere la cera e ho realizzato, sulle mura esterne di questa piccola edicola votiva, dei disegni di iceberg stilizzati per dare più forza al contesto stesso.

Ogni installazione della serie ha una targhetta serigrafata che la rende riconoscibile e unica, proprio come il messaggio che porta con sé. Ad esempio, 17024 è posta in Liguria, a picco sul mare. Anch’essa, come la precedente, ha una particolarità: la parte superiore, la testa, è realizzata da una bottiglia di plastica ed è avvolta nelle reti. Rivolta verso il mare, ne è visibile solo la schiena, come nella speranza che chi la guarda si accorga che lei è in pensiero per l‘inquinamento marittimo. Credo che in parte sia l’insieme di queste tematiche, oltre al fatto di essere delle installazioni urbane, a rendere diverso per me questo concetto di street art, e per poterlo definire nuovo.

Hope Crisis – 13039

Hope Crisis – 10054

Hope Crisis – 10054  I Progetto artistico e concetto: Morb I Filmmaker: Sara Ceci I Fotografo: Massimiliano Sticca

Hope Crisis – 17024

Accanto al tuo amore per la pittura e il disegno, che ormai “rappresentano una parte ideologica della tua vita”, sei anche appassionato di poesia e musica. Cosa puoi dirci di queste aree della tua pratica artistica? Anche la musica dei tuoi video Hope Crisis è fatta da te?

Sì, queste sono da sempre alcune delle mie passioni più forti. Da giovane ho pubblicato una raccolta di poesie bilingue dal titolo “Attimi fuggiti dal vento”, ma come Rimbaud, la cui scrittura mi affascinava molto, ne ho poi abbandonato la pratica, dedicandomi più alla musica e all’arte, oggi protagoniste della mia vita. Ho prodotto personalmente le tracce che fanno da colonna sonora ai video di “Hope Crisis”, ciò a riprova del legame che ho instaurato con queste mie passioni. Amo tanto la musica, nei suoi svariati generi, però produco esclusivamente elettronica, che adoro ascoltare in vinile, suonare e mixare.

Cosa c’è in futuro per te? Cosa hai in programma per quest’anno (o appena Corona lo permetterà)? 

Non vorrei sbilanciarmi su cosa possa avere in serbo per me il futuro; so solo che continuerò ad andare avanti nel mio percorso. Quest’anno finalmente sono riuscito a fondere le mie passioni, arte e musica, due mondi che andavano di pari passo e che oggi diventano una cosa sola.

“Art Connection” nasce con l’idea di legare arte e musica, attraverso lo street wear.

Per questo ho sviluppato una serie limitata di giacche originali Vintage Levi’s con una vera e propria tela applicata su di esse. In questo modo si potrà indossare l’arte, nel vero senso della parola, cambiando tela ogni volta che lo si desidera. Sono tre le città che hanno ispirato questo progetto; Milano, Berlino e Londra, in ognuna delle quali è nata una collaborazione con un dj di fama internazionale che la rappresenta al meglio. 

Acquistando un capo di questa serie si andrà a supportare attivamente la scena musicale, attualmente in grossa difficoltà. Nella confezione è presente un vinile scelto personalmente dai dj che collaborano con me al progetto. Anche per quanto riguarda “Hope Crisis” ci sono in programma collaborazioni nazionali e internazionali per portare il progetto in giro per l’Europa. 

Posso solo dire che resterò molto attivo, continuerò ad avere al mio fianco persone che mi supportano e fanno sì che il mio lavoro continui a crescere e raggiungere quante più persone; ciò è possibile anche grazie a voi e a questa intervista.


Torino, Italy



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Fotografo I

Videografa heppinoise I

Videografo Giovanni Bottisio I 



Immagini © Morb


Aprile 2021

di Laura Vetter